Xilografía japonesa

La xilografía japonesa es una técnica de grabado artística única en la escena mundial. Es una técnica no tóxica porque utiliza, para crear las imágenes, maderas naturales, acuarelas y papel hecho a mano. Todo esto le permite cambiar de colores apagados y casi transparentes a colores brillantes y sombríos. La corriente más importante de la xilografía japonesa y del Lejano Oriente es comúnmente conocida con el nombre de ukiyo-e, cuyo significado, de origen budista, enfatizaba el carácter efímero y doloroso de la vida humana. La principal característica de esta corriente artística es haber alcanzado las alturas de la producción gráfica ayer, pero también hoy, a pesar de la enorme producción de copias de las que cada imagen ha sido objeto.

La técnica de la xilografía nació en China entre los siglos VI y VII, junto con la invención del papel. En el siglo VIII se introdujo en Japón, donde permaneció, durante ochocientos años, un monopolio de los monjes budistas que lo utilizaron dentro de los textos sagrados con el fin de divulgar más fácilmente su contenido o reproducir imágenes de dioses. Los grabados se practicaban mediante el uso de herramientas muy afiladas capaces de eliminar las partes que, en el resultado final, tenían que permanecer blancas dejando en cambio en relieve todo lo que tenía que recibir la tinta para luego ser transferido al papel. Lo que se creó no fue más que una matriz de madera que se podía utilizar para la creación de infinitos ejemplares del mismo tema sobre cualquier tipo de material que pudiera ir del papel a la seda, gracias al uso Asociado de la técnica de impresión con la prensa. Sin embargo, esta primera producción de xilografía, así realizada, no despertó un interés inmediato de los entusiastas del arte. Tendrá que esperar hasta principios del siglo XVII cuando finalmente Japón alcanzará un período de estabilidad política debido al cese de las guerras civiles que durante mucho tiempo lo habían mantenido bajo control para ver los primeros cambios en el campo de la xilografía. El mérito de mejorar la estabilidad política japonesa se debe al trabajo de tres grandes líderes que fundaron el poder militar del shōgun (Generalísimo) transportando, entre otras cosas, su residencia de Osaka a Edo. Durante el período Edo (también llamado Tokugawa: 1600-1868) los bushi, es decir, los grandes terratenientes correspondientes a nuestros feudatarios Medievales, cuya riqueza derivada de la renta de la tierra, fueron progresivamente empobrecidos por las obligaciones y corvées que se vieron obligados a prestar al shogun. A la larga, los samuráis, que ya no podían cumplir con las obligaciones de su posición social, se vieron obligados a pedir préstamos y servicios a representantes de una nueva clase social recién nacida, la de los chōnin, que oficialmente los despreciaban porque los consideraban escaladores sociales. Con la Paz, también florecen nuevas actividades económicas que alimentarán gradualmente la riqueza de los chonin (actividades comerciales y empresariales). Es gracias al chonin perteneciente a la recién nacida clase media japonesa que la xilografía sale de los conventos budistas cerrados para convertirse en un verdadero arte ahora completamente liberado de los modelos chinos de los que se originó. A partir de este momento, la impresión de libros será una prerrogativa de la nueva clase media que la ejercerá con fines puramente comerciales, ya que puede dirigirse a un público nuevo, más vasto y variado, cuyos gustos deberán satisfacerse para asegurar una porción cada vez más amplia del mercado. Poco a poco hay también el desplazamiento espacial de la producción editorial que en la primera mitad del siglo XVII todavía se encuentra en el área de Kyoto y Osaka, pero que en la segunda mitad del mismo siglo se trasladará definitivamente a Edo. La ciudad de Edo mientras tanto se había expandido mucho gracias a un edicto shogunale de 1638 con el que los grandes señores feudales (daimyō), se vieron obligados a trasladar su residencia y todo lo siguiente, a Edo durante al menos seis meses al año de esta manera, Edo se convirtió en la nueva capital de Japón y el hogar de los'' ukiyo - e. Es siempre durante el siglo XVII que el término ukiyo se deshará progresivamente de todos los matices negativos para identificarse cada vez más con los personajes del teatro kabuki o con las cortesanas de las casas de placer, así como con las experiencias agradables representadas por ejemplo por los viajes en barco, vividos por la nueva clase media. Además, a los chonins no se les permitió participar activamente en la vida política del país y, por lo tanto, estas ocupaciones los distrajeron de sus frustraciones. A medida que nos acercamos al final del siglo XVII, el término ukiyo se identificará con la filosofía hedonista de chonin y especialmente con la nueva forma artística que prefirió, a saber, ukiyo-e. A diferencia de las obras de los artistas italianos de los siglos XIV y XV, el chonin nunca aparecerá en xilografías porque su intención no tiene nada de auto-celebración. En las obras encargadas por ellos, se celebran sus ídolos, a saber, actores y personajes teatrales, así como la belleza y la elegancia de las cortesanas. En pocas palabras, querían celebrar su mundo, es decir, el de los distritos de placer donde los actores del teatro kabuki vivían sus ídolos, pero sobre todo las cortesanas que, por lo tanto, en Japón jugaron un papel que en ninguna otra civilización ha tenido tanta importancia. Había varias categorías de cortesanas. Los más citados fueron los tayu cuyo rango les permitía elegir a sus clientes y es por eso que apenas eran accesibles por nadie. Los tayu tenían una gracia innata e innumerables conocimientos artísticos: eran expertos en poesía, caligrafía y canto, y también sabían tocar una especie de laúd de tres cuerdas llamado shamisen. Sus habilidades no terminaban allí, ya que conocían la ceremonia del té y el arte de la conversación, en resumen, eran verdaderas celebridades. Solo había un inconveniente en su magnífica vida: eran prácticamente esclavos propiedad del propietario de la casa a la que pertenecían. Así que los estampados que los retrataban también eran valiosos porque no solo eran deseados por chonin enamorado de ellos, sino también por sus esposas que dibujaban de estos retratos importantes indicaciones sobre cómo peinar su cabello o en qué telas elegir para sus kimonos o sobre cómo usar el gran cinturón obi. Los temas de los grabados ukiyo - e no son solo actores kabuki o cortesanas tayu, sino también temas de la literatura clásica japonesa o China sujetos a parodias educadas. El tema del paisaje, por otro lado, se puso de moda solo en el siglo XIX junto con temas históricos. En cuanto a los grabados eróticos llamados shunga, sin embargo, hay algunos ejemplos en cada época, siendo esta una producción artística que cruza todo el género artístico xilografía. La creciente demanda de impresiones y libros ilustrados provoca una evolución imparable de las técnicas de impresión y distribución de productos editoriales obligados a adaptarse a las crecientes necesidades. Además, las impresiones que a principios del siglo XVIII todavía estaban en blanco y negro y, por lo tanto, producidas con el uso de una sola matriz, con el tiempo están flanqueadas por los primeros ejemplos de impresiones policromadas, para la producción de las cuales dos o tres matrices eran necesarias, dependiendo del número de colores utilizados. Será después de la segunda mitad del siglo XVIII y precisamente en 1765 que las primeras impresiones nishiki - e hechas con el uso de 10 - 15 matrices porque equipadas con al menos 10 colores diferentes ven la luz. Para la producción de grabados ukiyo-e se necesitaba el trabajo de varias personas, aunque la autoría de las obras se atribuyó a quien las dibujó. La figura del editor que tenía la tarea de organizar la obra, pero sobre todo de financiarla, fue finalmente él quien en la mayoría de los casos eligió el tema y el número de impresiones como el único capaz de sentir el pulso del mercado. Luego, basándose en el tema, eligió al artista más experimentado en el campo. El artista realizó un dibujo preliminar con la tinta sobre el papel que luego fue llevado al taller del grabador para ser pegado en un tablero de madera de cerezo y, mediante el uso de varias herramientas, reproducido dejando en relieve las líneas del dibujo del artista y excavando todo lo demás. Durante este proceso, sin embargo, hanshita-e fue necesariamente destruida. A los aprendices se les dio la tarea de grabar las partes más fáciles del dibujo para aprender el arte del grabado correctamente. Luego se entregó la matriz al impresor que imprimió unas quince copias en blanco y negro para ser enviadas al pintor con el fin de introducir los colores elegidos, pero por separado, uno para cada copia. Estos prototipos luego regresaron una vez más a la impresora que preparó una matriz para cada hoja, es decir, para cada color que se insertaría. Al final de todo este complejo proceso, finalmente llegamos a la impresión real que proporcionó como primer paso la impresión de la matriz con las líneas de contorno negras, pero antes de eso la hoja de papel tuvo que ser tratada adecuadamente con una sustancia llamada "dosa" . Una vez hecho esto, se imprimieron las otras matrices, teniendo cuidado de comenzar siempre con aquellas con los colores más suaves. El proceso de impresión consistió en colocar la hoja sobre la matriz entintada y luego presionar el reverso con el uso de una almohadilla especial. La circulación diaria era de unos doscientos ejemplares. En 1868, gracias a la caída del gobierno militar y la restauración del poder imperial, Japón comenzó a abrirse a Occidente. A partir de aquí habrá una evolución muy rápida del país hacia la modernidad y una contaminación progresiva de la cultura japonesa por parte de Occidente. Inevitablemente, las artes tradicionales, incluido el ukiyo-e, serán progresivamente dejadas de lado tanto por estar demasiado atadas a un entorno social en proceso de declive, como por la llegada de nuevas técnicas de reproducción como la fotografía. Esto conducirá al declive del antiguo y glorioso arte de la xilografía.

Hishikawa Morunobu (1618 - 1694), el primer artista prominente en la escena de la xilografía japonesa, es considerado por muchos como el "padre" de ukiyo-e. su producción artística incluye álbumes y Pinturas eróticas. Después de la obra de Morunobu es la de la escuela de Torii, que se remonta a la primera mitad del siglo XVIII cuya producción de grabados teatrales indiscutible domina el género de la época. Okumura Masanobu (1686 - 1764) es el artista más innovador de la escena japonesa ya que consideró la introducción de novedades muy importantes como la perspectiva, el efecto laca y el formato alargado. En la segunda mitad del siglo XVIII, el trabajo de la Escuela Katsukawa se remonta al legado de líderes en la producción de grabados por actores del teatro kabuki que hasta ese momento había sido una prerrogativa de la escuela Torii junto con retratos de bellezas femeninas. El final del siglo XVIII, es el más prolífico porque ve la aparición de un gran número de artistas menores, que son muy atractivos, pero, sobre todo, la obra de los tres artistas más grandes de todo el movimiento de ukiyo - e, es decir: Suzuki Harunobu (1725 - 1770), famoso por sus representaciones insuperables de lo cotidiano, y, como el creador de un canon de la belleza es casi adolescente; Torii Kiyonaga (1752 - 1815), el autor dípticos y trípticos, cuyo tema está constituido por los retratos al aire libre mujeres esbeltas y majestuosas; Kitagawa Utamaro (1753-1806), que se centrará en la representación de la belleza femenina en todos sus aspectos del mundo femenino en todas sus diferentes facetas: retratará a las mujeres durante episodios de su vida cotidiana, o la intención de llevar a cabo su trabajo; pero también a la representación de la más íntima y lasciva del universo femenino traspasando en el género de shunga, indicado con la expresión poética y al mismo tiempo alusivo de "imágenes de primavera” Entre los artistas de la escuela está la obra de Shunsho, que primero entre los artistas del ukiyo - e representan a los actores del teatro kabuki con su forma individual de tal manera que puedan ser reconocidos y no solo en el escenario sino también en otras ocasiones con su forma de vida diaria. Uno de los artistas japoneses más reconocidos en el campo de las impresiones teatrales es Utagawa Toyokuni (1769-1825), pero el mejor absoluto es sin duda Tōshūsai Sharaku, activo solo en los años 1794 - 95, este es el artista considerado por la mayoría de la opinión pública, el mayor retratista de los actores del teatro kabuki de todo el arte japonés; sus retratos, de hecho, son tan implacablemente realistas y caricaturescos para ser todavía considerado el más famoso de toda la producción de ukiyo-e Lo que salva a estas obras de la pornografía es el texto alusivo y a la vez irónico que las acompaña gracias al cual adquieren un aspecto caricaturesco que nada tiene que ver con los corresponsales occidentales mucho más vulgares y explícitos. Como resultado del aumento de la demanda de impresiones que se produjo a principios del siglo XIX, nos vemos obligados a ampliar la producción y esto provoca la inevitable disminución en el nivel de calidad del producto terminado. Por ejemplo, comenzar a difundir las impresiones, paisaje cuyo nacimiento también está vinculado a la mayor capacidad de movimiento de la población a través de la mejora y a la mayor difusión de los medios de transporte puede permitirse viajar más por trabajo o por placer, o por razones religiosas, y quiere en todos los casos para traer a casa de sus viajes, un recuerdo de los lugares a visitar en forma de una impresión-paisaje artística Para tratar de limitar el daño, entonces tratamos de utilizar colores más y más brillantes que puedan captar la atención del observador desviándolo de los defectos cada vez más numerosos de las obras, y, para el mismo propósito, se introducen continuamente nuevos temas. Pero el artista del Lejano Oriente, que vivió en el XIX durante el período Tokugawa, más conocido en Occidente es y sigue siendo Katsushika Hokusai (1760-1849). Su obra se caracteriza por la producción de paisajes fantásticos aunque Gigantes Hokusai en todos los estilos y con todas las técnicas. De hecho su producción artística contempla más de 30. 000 obras de todo tipo, desde pinturas sobre seda hasta manga. Es el menos Japonés de todos los artistas ukiyo-e, ya que prefiere la representación de paisajes a la representación de sujetos humanos. Su obra más conocida es" la grande onda ". Y cuando decide hacer un retrato no representa actores de teatro o cortesanas, sino pescadores y hombres comunes. A la misma época pertenece también la obra del gran paisaje del nombre japonés Utagawa Hiroshige (1797 - 1858), quien resulta ser uno de los primeros artistas japoneses en captar el interés del mundo occidental y Europa en la segunda mitad del siglo XIX. Vincent Van Gogh" the opera sudden Downpour On The Great Bridge near Atake, 1857 (Xilografía policromada, Museum of Art, Brooklyn) of Hiroshige in his "Bridge in the rain D''après Hiroshige" , 1887 (óleo sobre lienzo, Van Gogh Museum, Amsterdam). La tradición bijin-ga es continuada por Toyokuni, Kikugawa Eizan (1787-1867) y su alumno Keisai Eisen (1791-1848) sin alcanzar las alturas del siglo anterior. Muchos artistas eclécticos y en algunos casos poderosos pertenecen a la prolífica dinastía Utagawa, como Kunisada (1786-1865) y Utagawa Kuniyoshi (1798-1861). Los artistas que vivieron en los últimos cuarenta años del siglo XIX se encuentran entre el viejo y el nuevo mundo: presentando características tradicionales junto con nuevos elementos. Los más conocidos son Tsukioka Yoshitoshi (1839 - 1897), visionario y morboso artista y Kobayashi Kiyochika (1847 - 1915), en el que la influencia occidental se manifiesta ahora. A principios del siglo XIX, la tradición de ukiyo - e está en declive porque están demasiado atados a un entorno social que ya no existe, su supervivencia se debe al uso esporádicamente por parte de algún artista japonés que elige entre las diferentes opciones para que los medios propongan representar el mundo. Pero en los años 10 Un joven editor, Watanabe Shosaburo, reunió a su alrededor a un pequeño grupo de artistas y lanzó un renacimiento de la xilografía al estilo japonés, acuñando también el nombre del movimiento: Shin-hanga. De la Shin - hanga muestra una cierta fidelidad a los estilos del pasado, reinterpretado, sin embargo, con moderno: esto se puede ver en las obras de artistas como Hashiguchi Goyo (1880 - 1921), Shin Shinsui (1898 - 1972) y Kawase Hasui (1883 - 1957), pero hay otra corriente artística contemporánea, el Sosaku - hanga, mucho más influenciado por el arte occidental, que rompe por completo con el pasado y no plantea ningún obstáculo a la imaginación de el artista. De esta última corriente recordamos a dos de los creadores más importantes de xilografías del siglo XX: Onchi Koshiro (1891-1955) y Munakata Shiko (1903-1975).

Las xilografías occidentales más antiguas hasta la fecha se remontan a la primera mitad del siglo XV y provienen de las regiones mercantes del Rin. Su ejecución aún no presenta la división de trabajo entre creador, ejecutor de la matriz e impresor, que en cambio comienza a ocurrir cuando la producción de xilografía comienza a ser más con cuerpo. Es al mismo tiempo que la técnica de la xilografía comienza a notarse entre los artistas que comienzan a producir dibujos destinados a la producción de xilografías. En esta fase, su contribución se refiere exclusivamente a la fase de dibujo sobre papel en la que introducen gradualmente cambios técnicos cada vez más arriesgados utilizando trazos cada vez más delgados y líneas cruzadas para obtener efectos de claroscuro y perspectiva cada vez más precisos. La intención de estos artistas era acercar el producto final lo más posible a la pintura correspondiente, lo que llevaría al abandono progresivo de la técnica de xilografía sobre madera de alambre para ser sustituida por el grabado sobre metal y sobre madera de cabeza grabada con buril. Un desarrollo adicional en este sentido está representado por la adopción, durante el siglo XVI, también en Italia, de una nueva técnica de grabado con efectos claro - oscuros obtenidos a través de la superposición de varias matrices de madera. Un discurso aparte merece el uso de la técnica de la xilografía dentro del libro impreso porque, por sus características técnicas, la xilografía acompañará fielmente la evolución del libro impreso, desde las "impresiones tabulares" , hasta los libros xilotípicos. Con los siguientes métodos: a partir del siglo XVI, la ilustración xilográfica se hace por separado para ser paginada posteriormente junto con el texto tipográfico. Este proceso permanecerá sin cambios, aunque con ligeras modificaciones, hasta después de la invención de la litografía y se archivará solo después de la invención de la fotografía. Cuando, en la segunda mitad del siglo XIX, el trabajo de los artesanos fue reevaluado gracias a las Artes y Oficios ingleses y las primeras xilografías japonesas comenzaron a extenderse en Occidente, el interés de los artistas por la xilografía "original" , es decir, por la técnica de grabado más antigua y la única que ha tenido un carácter popular desde el principio. Sin embargo, una vez que entra en contacto, la xilografía, los japoneses y los europeos se influyen cada vez más solo en términos de estilo, mientras que en lo que respecta al proceso técnico, sin dejar de ser esencialmente el mismo, puede resaltar algunas de las diferencias que distinguen a la xilografía japonesa de Occidente: los materiales utilizados (madera de las matrices, papel, cuchillos, talla, pigmentos), el proceso la impresión (por frotamiento en lugar de presión), la policromía y, a veces, el uso de materiales particulares (oro, plata, mica, gofun) y el uso de técnicas para obtener efectos especiales (karazuri, bokashi, etc.), todas estas cosas no se encuentran inmediatamente en la xilografía Occidental Los principios estéticos del japonés fueron fácilmente asimilados por el arte occidental, aunque de manera desigual, gracias a las extraordinarias similitudes temáticas entre las impresiones de la pintura ukiyo-e de la segunda mitad del siglo XIX, caracterizada por representaciones de: desayuno en la hierba, viajes en barco, calles animadas de la ciudad, escenas teatrales, prostitución, mujeres educadas en la intimidad de la vida cotidiana mientras se lava, se peine En particular, enciende el interés por esta técnica por parte de los autores impresionistas. Este interés por la xilografía y, en particular, las impresiones ukiyo-e que se desarrollaron en Europa en la segunda mitad del siglo XIX, especialmente entre los artistas impresionistas y postimpresionistas, se convirtió en un verdadero movimiento artístico conocido como Japonismo. El primer uso del término "Japonisme" tiene lugar en 1872-1873 por el crítico P. Burty, con el fin de indicar el interés de este movimiento para Japón y la influencia de su arte en los movimientos artísticos europeos entre mediados del siglo XIX y la Primera Guerra Mundial. Incluso si el Japón del período Edo mostró diferencias significativas en lo económico, social y político que el oeste, estaba viviendo una historia feliz caracterizada por un desarrollo urbano considerable y una creciente popularidad entre amplias capas de la población de una nueva cultura mercantil que tenía muchas similitudes con la difusión contemporánea en algunos países europeos a una nueva cultura Burgueses y Metropolitanos El fenómeno contribuyó: las exposiciones universales, que Japón participó desde Londres en 1862 con sus pabellones, la apertura de las tiendas especializadas en objetos del Lejano Oriente, y la publicación, comisariada por el coleccionista y comerciante Samuel Bing, la revista le Japon artistique. Todo esto hizo que las imágenes de Japón fueran familiares para los europeos del siglo XIX, facilitando una reinterpretación adecuada a sus necesidades y expectativas. Pero todavía era inevitable que las obras de arte japonesas, una vez llegados a Occidente, y transportadas, por lo tanto, en un contexto diferente al que las había originado, adquirieran una vida y un significado diferente al original. Los artistas impresionistas y postimpresionistas se sintieron atraídos principalmente por los valores cromáticos y espaciales de las xilografías japonesas, a partir de los cuales retomaron las líneas rápidas y el corte asimétrico de las pinturas. P. Gauguin y los Nabis estaban interesados en el color, que aprendieron a diseñar sobre superficies planas de tal manera que realzaran su valor decorativo y simbólico a la manera de Utamaro o Hiroshige. Finalmente, es posible encontrar motivos iconográficos y estilísticos japoneses incluso en el vaso de É. Gallé, de los hermanos Daum, de L. C. Tiffany, o en las joyas de R. Lalique y Philippe Wolfers.

El arte de la xilografía japonesa utiliza el uso de herramientas de talla específicas, antes de describir las cuales es bueno conocer los métodos de producción para distinguirlas de los cuchillos de cocina comunes y las espadas exóticas. El acero utilizado para la producción de estos instrumentos es de dos tipos: uno con un porcentaje relativamente alto de carbono añadido al hierro, del que obtenemos las cuchillas son muy duras, muy afiladas y muy afiladas, pero también muy frágiles, y uno con un bajo porcentaje de carbono del que obtenemos las cuchillas son muy duraderas, pero inadecuadas para la creación de líneas finas y precisas. El herrero Japonés utiliza ambos tipos de acero: el que tiene un alto porcentaje de carbono formará la parte exterior de la hoja mientras que el otro tipo se utilizará como soporte interno. Para ello es necesario trabajar juntos los dos tipos de acero en forma de lingotes hasta obtener una sola cuchilla. En el instrumento terminado, la línea que separa los dos tipos de acero es claramente visible: el área más brillante resalta el acero con mayor carbono. Diferencia de laminación Lam entonces, implica una diferencia en el costo entre las herramientas es lógico, de hecho, que una hoja producida con un acero de alta calidad, laminado a la presión y temperatura adecuadas, cuesta más que otra hecha de una manera más apresurada. Para un principiante es ciertamente más difícil detectar ciertas diferencias, pero en la incertidumbre el costo más alto debe sugerir inmediatamente un mejor rendimiento del instrumento y su uso más fácil. Este es un cuchillo básico, herramienta central de cada conjunto de talla de madera. Su forma no es simétrica y también es adecuada para zurdos. Su anchura oscila entre 1,5 mm. y 9mm. El mango está hecho con una madera dura, comúnmente cerezo o ébano. Las cuchillas se insertan en una pequeña ranura tallada en el mango sostenido en el interior por un círculo de latón. Este anillo se puede quitar fácilmente, lo que le permite quitar la cuchilla después de que el uso repetido haya dañado el cable. Un leñador experimentado tiene una buena colección de estas herramientas, algunas para tallar más grueso, otras para trabajos más finos y con diferentes ángulos para adaptarse a cualquier tipo de trabajo. El término literalmente significa entre los dos se vuelve transparente y esto puede aludir a cómo se utilizan estos cinceles. Tienen una hoja plana ligeramente redondeada en la punta, utilizada con movimiento de empuje para quitar bien la madera entre las líneas talladas con el hangi-to. Las medidas más comunes van desde 1mm. hasta 6mm. El mango generalmente está hecho de madera dura, a veces de bambú, hecho para que pueda girar la hoja hacia afuera. Toda la gama de ai-Suki se usa regularmente, a diferencia del hangi-to. Durante el trabajo, el tallador busca constantemente el cincel apropiado; en áreas mayores de 6 mm. el cincel se usa con el martillo, pero para todo lo que está por debajo de este tamaño se usa el ai - Suki. Además del ai - Suki, los talladores tienen una serie de talladores más pequeños fabricados por ellos mismos. Comúnmente, se usa la aguja de una vieja máquina de coser, hecha muy afilada e insertada en un mango de madera. El metal con el que están hechas estas agujas es muy resistente, la punta se inserta finamente para eliminar todas esas pequeñas astillas no deseadas, entre las líneas grabadas. La palabra significa cincel redondo, a diferencia de otros instrumentos, se usa con un martillo. La hoja tiene forma de U, el rango de medidas varía de 4,5 mm. a 15 mm. y se divide en dos tipos principales: superficial y profundo. Se utiliza para eliminar rápidamente grandes partes de madera de la matriz de bloques. Una especie de subgrupo de hira-nombres, cinceles planos. Los nombres soai tienen esquinas ligeramente redondeadas. Se utilizan con un martillo para eliminar piezas de madera no deseadas. El rango de medidas varía de 9mm. a 30mm., el 21mm. de ancho es quizás el más utilizado. Este es probablemente el último cincel que necesita, por lo general es bastante caro, se utiliza para marcar los puntos de referencia en las matrices de madera. La hoja recta y perfectamente afilada siempre debe mantenerse en excelentes condiciones, para que los puntos de referencia sean lo más precisos posible, es en la única medida de 15 mm. Esta es la selección de herramientas para el tallado tradicional. Los talladores que trabajan utilizando técnicas tradicionales antiguas solo usan estas herramientas, pero sería incompleto por no mencionar otros dos tipos comúnmente utilizados. Estos son parte de la familia de cinceles de empuje, sostenidos en la palma como el ai - Suki, pero con una hoja en "U" en lugar de plana. Tienen el mismo rango de tamaño que ai - Suki de 1 mm. a 6 mm. Tallan una especie de pequeño canal en la superficie del bloque. La palabra significa cuchillo triangular, correspondiente a la gubia Occidental "V" . Las medidas varían de 1mm. a 6mm.

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