Tríptico Portinari

El tríptico Portinari es una pintura al óleo sobre tabla (253x141 cm los paneles laterales, 253x304 los centrales) por Hugo van der Goes, fechado a 1477 - 1478 y conservado en la galería de los Uffizi en Florencia.

El tríptico, la adoración de los pastores, fue pintado en Brujas por el famoso pintor flamenco de la comisión del florentino Tommaso Portinari, un banquero a la cabeza de la sucursal local del Banco medici, que vivió durante más de cuarenta años con su familia en la ciudad hoy en Bélgica. Las placas fueron transportadas en barco a Pisa, con la ayuda de Niccolò Di Giovanni Capponi, en un barco que primero hizo una escala en Sicilia, y más tarde subió el Arno en barcos a Florencia, donde la obra llegó el 28 de mayo de 1483. Fue izada a la altura de Porta San Frediano por dieciséis hombres y transportada a la Iglesia de Sant''Egidio en el hospital de Santa Maria Nuova, de antiguo Patronato de los porteadores, con una procesión supervisada por Meo di Tingo, el Enviado del Arzobispo. Aunque las obras flamencas ya eran conocidas en Florencia y habían inspirado a artistas locales en varias ocasiones a lo largo del tiempo, el tríptico fue la obra más grande hasta entonces transportada a la ciudad, y tuvo un efecto deslumbrante en la escuela de arte local. Admirado, a veces citado fielmente (como en la adoración de los pastores de Domenico Ghirlandaio y otras obras de la década de 1480), todavía fue elogiado por Vasari (que llamó al Autor " Hugo de Amberes ") y Ludovico Guicciardini en el siglo XVI. En 1567 sufrió un desmembramiento, cuando los frescos de Domenico Veneziano y otros en Sant''Egidio también fueron destruidos. Los paneles, sin embargo, afortunadamente no se dispersaron y fue posible volver a montarlos más tarde, en 1871. En las guías del siglo XIX se confundió con la obra de Andrea Del Castagno o Domenico Veneziano. En el año 1900 llegó a los Uffizi junto con un grupo de obras muy importantes, que constituyeron la donación de Santa Maria Nuova. La datación tradicional de la obra fue hacia 1475, sobre la base de una estimación de la edad de los hijos de los retratos comprador en los paneles laterales (izquierda Pigello y Antonio con su padre, nacido respectivamente en 1474 1472, derecha, Margarita, nació en 1471, con su madre María). El erudito Hatfield Strens luego rastreó y publicó una serie de documentos sobre la llegada de la pintura a Florencia, hipotetizando una conclusión en 1478, siendo inverosímil que la pintura se había dejado en pie durante tres años.

La adoración del niño, basada en una de las visiones de Santa Brígida de Suecia, tiene lugar en un escenario grandioso, en el que las figuras celestiales y terrenales se representan una al lado de la otra, como si se encontraran. En el panel central, el granero está pintado como una logia con columnas colocadas en el borde de una ciudad de la que se puede echar un vistazo a algunos de los edificios: es la alusión a la mansión abandonada del Rey David, el antepasado lejano de Cristo, reconocible por el símbolo del arpa grabada en el bisel del portal y el registro con su profecía de un niño que nacerá de una virgen. A su alrededor están dispuestos en un semicírculo de los otros transeúntes: a la izquierda San José, con el vestido rojo, el buey y el burro y los dos ángeles volando alto; en la primera fila, dos grupos de ángeles en posición simétrica, los dos vestidos de negro a la izquierda y cinco con ropas más elaboradas a la derecha; detrás de ellos están los tres pastores, retratados con gran realismo, en sus humildes ropas y también fueron copiados por Ghirlandaio, con un cuarto que viene en el fondo; cerrar el círculo dos ángeles vestidos de azul, mientras que en el cielo otros se levantan en vuelo En el centro se encuentra la figura de María, y todo lo demás que está estilizado, pero vibrantemente humano, y la luz, de rodillas, con las manos unidas y mirando hacia abajo, el niño está descansando en el suelo entre los rayos que revelan la santidad: es la representación de Jesús como "luz del mundo" , de hecho, su figura ilumina a algunos de los espectadores, como se ve por ejemplo en el ángel sobre ella. Todos los personajes representados se describen, simultáneamente, con rigor realista, energía, inmediatez y brillantez. El hermoso bodegón en primer plano, con los dos jarrones de flores y la gavilla de trigo (que recuerdan Belén, en hebreo " La Casa del pan ") , son alegorías de la Eucaristía y de la pasión de Jesús. El trigo recuerda la última cena, donde Cristo partió el pan. Los lirios rojos simbolizan la sangre de la pasión y los lirios blancos la pureza, mientras que los lirios púrpuras y la aquilegia adornada representan los Siete Dolores de la Virgen; Los Claveles aluden en cambio a la Trinidad. Así, esta escena del nacimiento de Jesús presagia su muerte de Resurrección. La pezuña en el suelo indica que alguien está descalzo: en ese momento se creía que pisar el suelo descalzo era una garantía de santidad, como el suelo sobre el que Moisés caminaba cuando Dios le ordenó: "quítate las sandalias de tus pies, porque el lugar en el que estás es tierra santa" (Éxodo 3, 5). En el fondo, van der Goes pintó escenas relacionadas con el tema principal, en este caso, el anuncio a los pastores por el ángel. Los paneles laterales continúan espacialmente el central, con la continuación del paisaje en el derecho y el arco del edificio en el izquierdo. Allí están representados los miembros de la familia Portinari arrodillados en oración presentados por sus respectivos santos patronos. Las cifras de los clientes se reducen por las proporciones jerárquicas. El panel izquierdo está dedicado a los hombres y vemos a Tommaso Portinari con sus dos hijos Antonio y Pigello, presentado por Santo Tomás (con la lanza), y San Antonio Abad (con la campana); el panel derecho muestra mujeres: María Di Francesco Baroncelli, esposa de Tomás, y su hija Margarita, acompañada por Santa María Magdalena con el frasco de ungüento) y Santa Margarita (con libro y Dragón). La Maddalena en particular está suntuosamente vestida y tiene un peinado típico del siglo XV, con el pelo afeitado en la frente y recogido en un moño ancho y elaborado. Las escenas de acompañamiento en el fondo son a la izquierda la huida a Egipto y a la derecha Los Tres Reyes en el camino a Belén. Los paneles laterales son cerrables, como es típico en los retablos nórdicos, y están pintados con una Anunciación en monocromo. En comparación con los modelos a su disposición, el artista retrató a María y al ángel en nichos particularmente profundos, creando un efecto espacial nunca tan acentuado. La figura de la Virgen es bastante convencional, con la Paloma del Espíritu Santo que está a punto de descender sobre su cabeza, mientras que la del Ángel es mucho más original, tomada en una pose vacilante con todos los miembros doblados, como si estuviera a punto de caer de rodillas.

La obra presenta algunas características típicas de la pintura flamenca, como el espacio unificado por la luz, la visión detallada y clara de la realidad, la atmósfera vibrante, la línea del horizonte, particularmente elevada, que hace parecer el suelo como un plano inclinado sobre el que los santos se elevan como si estuvieran a punto de caer sobre el observador. El espacio parece tan amplio y profundo, con el paisaje, salpicado de casas y castillos, que te pierdes en la distancia matizada por la neblina. Los florentinos de la época quedaron especialmente impresionados por el uso de la luz que, a través de la pintura al óleo, permite definir mejor el "brillo" , es decir, la refracción particular de cada superficie.

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