Sonatine

Sonatine (en Japonés??) es una película de Takeshi Kitano, estrenada en 1993. Fue presentada en la sección Un Certain Regard del 46º Festival de Cannes. La obra es la cuarta del director de Violent Cop, Boiling Point y silence on the sea. A veces la película retoma los clásicos estilos Yakuza-eiga, que él mismo criticó más tarde, y a veces logra una innovadora narrativa hiperviolente, una de sus principales marcas.

Después de una vida ocupada y peligrosa y habiendo alcanzado una cierta facilidad económica, el criminal Murakawa ya no quiere llevar esa vida, pero su jefe Kitajima lo obliga a una última misión, ir a la lejana isla de Okinawa para poner fin a una guerra entre bandas rivales. Tan pronto como Murakawa y sus compañeros llegan se dan cuenta de que han sido traicionados, y - después de una fuga inicial - esperarán su destino inevitable, incluso jugando, en una soleada playa donde el tiempo parece haberse detenido.

Así que con su cuarta película, Kitano firma una de sus mayores obras maestras y sus obras más maduras. Sonatine es una película Total. La narrativa, aquí más que en cualquier otra película del director, se deja en segundo plano para sacar al protagonista y a todos los que lo rodean; la de Sonatine es una Kitano amarga, solitaria y desilusionada. Pequeñas sonatas de visiones y reflexiones que se abren con un incipit extraordinario. Un pez azul, atravesado por una lanza, colocado verticalmente, sobre el que la cámara gira en un movimiento circular, desde el detalle de las escamas hasta la inmensa inmensidad del paisaje circundante-tono rojo y negro, en contraste con la figura central; todo destinado a desintegrarse en mil fragmentos. Este es el incipit, la síntesis extrema de la obra maestra de Takeshi Kitano, Sonatine. El primer acto se presenta como un clásico yakuza-eiga, aunque oponiéndose a las convenciones del tiempo de acción, dilatándolas. Murakawa es introducido segundos desde el principio, mientras amenaza a un hombre que le debe dinero a la yakuza. Después de diez minutos, las primeras escenas de violencia: la golpiza en los baños públicos de un yakuza por Murakawa y el asesinato en el muelle del hombre mostrado al principio, que no pagó el encaje requerido por el yakuza. En esta última secuencia, el antihéroe Murakawa está lejos de lo que le sucede al hombre que se sumerge a la fuerza en el agua; está impasible, como si estuviera presenciando algo casi a diario, que lo ha enfermado inconscientemente con el tiempo, y que ahora lo convierte en un espectador impasible. La muerte vuelve a ser vertical, así como el arco que atravesó el pez azul en el incipit, es ahora una cuerda que sostiene la vida de la víctima. La impasibilidad y el aburrimiento de Murakawa emergen gracias al uso de la cámara fija y en la puesta en escena de un largo silencio, que está esperando. Un grupo de yakuza, miran pasivamente al hombre en el agua, con un montaje que los alterna a la cuerda con el gancho sumergido. Kitano está en primer plano y cuando tira del hombre hacia arriba, ordena mecánicamente volver a sumergirlo durante otros tres minutos. El silencio, en las caras en primer plano de la yakuza, es roto solo por el compañero de Murakawa, quien le alerta de la situación en Okinawa. El diálogo no es exigente, y para el protagonista tiene una importancia igual a una conversación de bar. Cuando finalmente levantan al hombre de nuevo, y se dan cuenta de que está muerto, Murakawa con indiferencia dice: "Ah, lo matamos. Bueno, no importa. Cubrir" . En la siguiente secuencia, el jefe presenta a Murakawa a los chicos con los que tendrá que irse a Okinawa. Todos los yakuza más viejos parecen "serios" , pero es una falsa seriedad, dada por el aburrimiento. Los chicos, también están desilusionados, esto es lo que Kitano a partir de Ahora destacará en la película. La apatía de los jóvenes es la misma que Murakawa, que, sin embargo, tiene años y años de experiencia detrás de él; esos chicos no, todavía tienen el futuro por delante, pero no lo ven, o en cualquier caso no es para ellos un futuro sereno. Un niño, a las amenazas de un conservador yakuza, responde accoltellandolo en el lado; Kitano aquí crítica y broma sobre los viejos yakuza, que se sienten amenazados por los jóvenes, y al mismo tiempo, se enmarca una situación de la juventud un tanto desesperada (de hecho, en la siguiente escena un chico, y encerrado en el autobús está preparando una bebida con la droga), comparable a la de los suburbios de todas las Naciones. Con la llegada de Murakawa y su familia a la isla de Okinawa, comienza el segundo acto. El viejo jefe del clan Okinawa dice que en realidad la razón de la pelea con sus oponentes es completamente inútil y que Murakawa y los demás podrían haber evitado venir. Una escena después de la base donde el grupo de Murakawa se había refugiado es volada mientras estaban ausentes. En una escena muy interesante en un bar, Murakawa se sienta en el mostrador con otros cuatro hombres y ordena bebidas. La secuencia es bastante simple y no parece requerir mucha atención de la audiencia. Esto cambia cuando el yakuza comienza a mirar (a través de miradas ajustadas) a las mesas a su alrededor. Con simples accesorios se las arregla para atraer inmediatamente la atención del espectador, y para crear un ligero suspenso, mientras que muestra situaciones bastante diarias y conviviales, de hecho, desde bares. Lo que muestra la visual de Murakawa de los hechos no se muestra por casualidad; de repente un disparo golpea al camarero que está sirviendo a la yakuza y esta acción, a pesar de ser bastante predecible, dada la construcción clásica de la secuencia, atrapa al espectador un poco por sorpresa. Dos yakuza son disparados de manera completamente efímera junto a Murakawa, y este último dispara y mata sin mover un paso, sin mencionar una mínima expresión, de manera mecánica, entre el asombro de los presentes. En una escena posterior, los yakuza restantes se refugian en la casa junto al mar de uno de sus hermanos. A partir de este punto, Murakawa ya no se moverá del lugar y esperará, junto con los demás, su destino. Una de las escenas más importantes para aprovechar al máximo la película, es cuando Ken Y Rioji juegan en la playa tratando, a su vez, de golpear una lata sobre sus cabezas con un arma. Después de unos segundos vemos a Murakawa observarlos desde lejos y, posteriormente, acercarse a los chicos. Esto elimina todas las balas, pero deja una y ofrece a los dos una especie de ruleta rusa. Ken Y Rioji, como forzados, de repente se vuelven sombríos y un poco avergonzados, pero lo siguen. Cuando se Murakawa turno, intenta disparar a sí mismo en el templo, pero la bala no sale. Cuando la yakuza se va con una sonrisa en la cara, los dos descubren que no hay balas dentro del arma, sin embargo, estaba claro que Murakawa había cargado una. Kitano, además de poner a Murakawa y sus secuaces en el mismo plano frente a la muerte, a través de Primeros planos en la cabeza y el counterfield, combina lo real con lo irreal a través del juego. Cuando Murakawa sueña con su muerte a través de la ruleta rusa, su voluntad es evidente. Primero a través de los gestos, ahora a través de lo onírico, Kitano nos cuenta a un hombre que se ha abandonado a sí mismo; Murakawa desea inconscientemente la muerte, y de hecho morirá de esa manera esa tarde en el coche. El segundo acto continúa cuando Murakawa es testigo accidental de la violación de una niña, siempre con su pasividad habitual. Pero esta vez encontramos en el protagonista el indicio de un cambio: el yakuza acercándose a los dos, dispara al hombre y salva a la chica, con la que hará amigos. A partir de aquí está la parte central de la película, donde Murakawa y su, en total aburrimiento, juegan pasando el tiempo, sin que haya un desarrollo real de la trama. Los personajes se convierten aún más sus obras, tanto es así que, entre los pasatiempos que se inventa el gángster, también está el movimiento burattinescamente dentro de un círculo dibujado en la arena, movido por las vibraciones de la misma arena es golpeado por Murakawa y su nuevo amigo; en una foto anterior hemos visto el mismo juego hecho por Ken Y Rioji con figuras de papel en la casa. La secuencia en la playa es muy reminiscente del cine mudo, muy querido por Kitano, con escenas donde algunas partes se aceleran. Y otra vez los vemos jugando con trampas de arena, con frisbee, tratando de golpearlo con una pistola, con bailes típicos japoneses y con fuegos artificiales usados como rifles. Más tarde, el jefe del clan contrario le dirá a algunos hombres de Okinawa que el clan Murakawa es de corta duración y será prohibido; en la siguiente escena, este es filmado junto con otros dos hombres por un hombre vestido de una manera extraña, que rara vez habíamos visto en un par de escenas anteriores. La escena es particular: es una especie de plano frontal medio; vemos a los dos hombres delante del jefe, como si quisieran protegerlo; pero al mismo tiempo parecen casi como si les dispararan deliberadamente, permaneciendo inmóviles y pasivos frente a los disparos. No vemos el tirador, y la escena es particularmente reminiscente de la yakuza clásica, por ejemplo, Fukasaku. El hombre se aleja y lo vemos, en la playa, lanzando pétalos rojos, disueltos en asamblea con un frisbee volador. Ken, Rioji, la chica y Murakawa se divierten jugando frisbee, cuando con un campo total se ve desde la derecha que viene ese hombre extraño, que dispara Ken en la fuente. Se había vuelto hacia el barco, donde Murakawa y la chica estaban descansando, y al ver al hombre del otro lado, de repente se detiene; no menciona huir, como Rioji, pero sigue Esperando la muerte, como un condenado a la horca. La expresión de Murakawa es de desaliento, abandono, literalmente está enfrentando la muerte esta vez, con una mirada en el vacío. La escena termina con Murakawa lanzando el frisbee al aire, persiguiéndolo, en un largo campo solitario y melancólico, sin ningún indicio de música del maestro Hisaishi. El tercer acto comienza cuando el clan Murakawa va a un hotel para encontrar y matar al que se supone que es el cerebro del hombre que mató a Ken, Takahashi. Lo encuentran en un ascensor, donde comienza un tiroteo violento. Esto se encuentra junto con su asesino; luego Murakawa, exclamando su nombre, intenta matarlo, pero el asesino logra disparar con sus dos compañeros (en una pistola ensangrentada en la mano de uno de los dos, también vemos la mano cortada, una referencia al cine underground anni ''80); luego Murakawa mata al asesino y deja en vida a Takahashi. Los únicos que quedan vivos en este punto siguen siendo Murakawa y Rioji, que después de matar a Takahata, quien revela que envió a la yakuza a Okinawa solo para deshacerse de ella y enviarla a una trampa, quieren organizar una última venganza. Una escena muy interesante es cuando Murakawa y la chica, Miyuki, hablan sobre cuándo pueden verse de nuevo; luego le pregunta al yakuza si puede disparar. Miyuki entonces comienza a disparar con una ametralladora. El montaje es apretado y, aunque la escena dura unos segundos, esto logra mostrar el nihilismo y la soledad de los personajes. Continuando hacia el clímax final, Murakawa está decidido a vengarse y, a pesar de Rioji rogándole que vaya con él, lo obliga a dejar el coche y volver a casa. Mientras vemos a los gángsters llegar con sus coches negros frente a la villa donde van a reunirse, y Murakawa los observa; a través de una Edición Alternativa, el director nos muestra a Miyuku disparando al cielo esos fuegos artificiales que habían utilizado poco tiempo antes todos juntos. Ella sola en la playa, por la noche, mientras mira hacia arriba a los fuegos, con una alternancia de medio, primer plano y largo alcance, hacen de esta escena una de las más poéticas de la obra maestra de la película Kitano. Murakawa, en este punto, cuando las luces se apagan, entra en la villa y con su ametralladora mata a los presentes; el clímax comienza con un crescendo. La música sube. Nos encontramos ahora a la mañana siguiente. Miyuku está esperando a Murakawa desde la calle, pero no lo ve venir. Esto de hecho se detuvo primero con el coche. La música sigue subiendo, la yakuza está sentada en el coche con la mirada vacía. La música se congela de repente; con un arma, disparas a la sien, y luego Callas. Miyuku continúa esperando en el camino, el cielo está gris y ya no verá a su amada. Con esta secuencia termina toda la película, con silencio. Ni siquiera el sonido del mar.

Que el destino del viaje psicológico de la Yakuza era la muerte quedó claro en las primeras secuencias, en las que uno saboreaba una vaga sensación de soledad y muerte que vuelve a sentirse cada vez más dominante en el resto de la película. Esa misma muerte se muestra tres veces en la obra: la primera, durante la ruleta rusa, donde Kitano juega con lo real y lo no real, mostrando una solución surrealista, que conecta con la segunda muerte, la del sueño. Kitano ha utilizado a menudo lo onírico en sus películas, sobre todo con respecto a la atmósfera (así que no estoy hablando de un sueño felliniano, es cierto). En la muerte segunda, Kitano nos muestra el sentimiento profundo de su personaje, un nihilismo pasivo, El deseo de muerte para poner fin a la enorme sensación de soledad. La tercera muerte es la última. Kitano cinema es profundamente realista. Los gestos violentos, las palizas, los tiroteos y el combate cuerpo a cuerpo entre yakuza, son siempre muy realistas en su reiteración mecánica. No hay alteración de sonido, parecen disparos reales los que vemos. La violencia de Kitano no es simplemente torpe, a menudo la muerte viene después de intentos fallidos, por la torpeza de los personajes. A menudo todavía la muerte es la coincidencia del suicidio y el asesinato; como se ve en el final del punto de ebullición (aunque no en el caso de Sonatine). Algunas mecánicas gestuales de las películas de Beat Takeshi, sin embargo, también pertenecen a la cultura cinematográfica japonesa, es una cuestión de representación, que también se convierte en la marca del director. Aunque no es una verdadera trilogía, Las películas Violent Cop, Boiling Point y Sonatine también se pueden leer de manera unificada, tanto desde el punto de vista narrativo como estilístico, como tres capítulos de un discurso sobre "cómo vives" y sobre todo sobre "cómo mueres" . Al respecto, Kitano observó: "estoy cada vez más convencido de que el" modo de morir "tiene exactamente la misma importancia que el" modo de vivir "." Es necesario que los hombres maduren en sí mismos la conciencia filosófica de la "muerte" . Me pregunto qué perspectivas puede tener, de hecho, cómo existiría una sociedad que ante una muerte violenta, que surge de repente, no sabe qué hacer ". Kitano, en su provocativo inconformismo, piensa en contrastar con la cultura hedonista y vitalista de su país, su propia visión personal de una" muerte con estilo " . Como todas sus películas, su humor demente y grotesco es terriblemente serio, tratando de humanizar la violencia.

Los silencios de Ozu, la violencia de Kubrick, las geometrías Hitchcockianas, las situaciones del cine mudo(el verano de Kikujiro parece un recuento del mocoso de Chaplin). Es imposible cuantificar y calificar el estilo de Takeshi Kitano. Como se ha dicho, el suyo es un cine que se nutre casi sin saberlo de una multitud de maestros del séptimo arte. Hablando precisamente de sus referencias, Kitano dijo: "Fellini y Godard son mis favoritos" . El estilo de dirección de Kitano es poéticamente simple. Una de sus peculiaridades es el juego frecuente con los countercamps; de hecho, en los diálogos, a menudo, solo vemos a una persona enmarcada (generalmente la que inicia la conversación) y la otra escuchamos más allá de la pantalla, por lo tanto, en countercamp. Esta es una peculiaridad que se ha vuelto común especialmente en el cine ensayista, y ya estaba en el cine japonés desde Ozu. Kitano también hace un amplio uso de lanzamientos largos y totales, primeros planos y planos medios (nunca muy primeros planos), especialmente jugando con accesorios en el eje y la mirada. Las tomas son muy a menudo estáticas y los tiempos están dilatados; a veces se limita con rodeos o panoramas, rara vez hace uso de steady y dolly. En esto es muy similar al maestro Ozu, famoso por sus disparos estrictamente fijos a la "altura del perro" . La fotografía en sus películas es siempre particularmente minimalista, al igual que sus guiones. Pocos elementos son necesarios para decir lo que Kitano quiere decir. Beat Takeshi es un cine existencialista; el director investiga al hombre, su soledad, la depresión posmoderna de los jóvenes, y no solo. Todo con una reflexión sobre el mar, donde es más fácil sumergirse en las reflexiones, como lo fue para Shigeru y el primero, los dos protagonistas del silencio del mar; o con una reflexión sobre la ciudad, que puede ser el Tokio, Osaka o Nueva York, donde hay aún más en el sentido de alienación, alienación de los personajes. Kitano ha acompañado sus películas durante la mayor parte de su carrera como cineasta, la hermosa música del compositor Joe Hisaishi (de Il silenzio sul mare a Dolls, 2002). Hisaishi, después de haber colaborado con Hayao Miyazaki para diez películas, no tuvo demasiados problemas para adaptarse al estilo de Kitano, onírico y melancólico, al igual que muchas de las películas de studio Ghibli. Un elemento que siempre se repite en el cine Kitano, es la yakuza, ya que visto por el director como un componente presente de una manera tristemente masiva en la sociedad japonesa moderna. Como ya se mencionó, otro elemento omnipresente es el mar, un lugar donde el tiempo parece detenerse. El suicidio es un tema que a menudo se aborda, al que muchos de los protagonistas de Kitano recurren para la expiación de sus pecados o para buscar permanentemente la paz; esta es también una práctica extremadamente extendida en Japón, uno de los países con la tasa de suicidio anual más alta. Los protagonistas del Kitano a menudo son antihéroes, no hay héroe puro, incluso entre los personajes secundarios; su filosofía de vida y sentido de la justicia son cuestionables, aunque hacia el final muestran los lados de su personaje que no habían surgido antes, mostrando, sin embargo, un cambio al principio de la película (es solo un ejemplo Murakawa). El ser humano en las obras de Kitano es frágil, inseguro, tiene máscaras porque finge, es imperfecto y a menudo cruel. El director, comediante desde sus orígenes, también critica a la sociedad con ironía. Siempre ha combinado un componente dramático fuerte y sombrío, con destellos de ironía, realzando aún más los momentos de tristeza. El de Kitano es humor negro, de estilo nihilista, con silencios frecuentes y tiempos muertos llenos de desesperación y frustración, mientras explosiones de violencia repentina y a veces desmotivada alimentan el sentido surrealista de su cine. Con Dolls se ha movido repetidamente del estilo clásico de su cine a la indignación, a menudo contradiciendo los aspectos que lo hicieron famoso.

Esta es la segunda colaboración entre el compositor Joe Hisaishi y Kitano. Duración Total: 51: 21

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