Sergio Romiti

Sergio Romiti (14 de abril de 1928-12 de marzo de 2000) fue un pintor italiano. Nunca se unió a ningún grupo. Comenzó a pintar en 1946. Desde 1947 participa activamente en la vida artística. Montale lo llamó "reconocible entre mil" ”

Ya en 1946 se dedicó a la pintura. Su entrada en la vida artística se remonta a 1947, mientras que su bautismo artístico definitivo en 1948 cuando expuso en la Primera Exposición Nacional de Arte Contemporáneo en Bolonia. Mostrar importante porque participará en todos los artistas de la generación Media (Birolli, renato Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Viuda, Mirko, Fazzini, Minguzzi), y aún más porque sirve como pretexto para mendigar posición de Togliatti contra el arte moderno que tipo de arte que no corresponde al ideal del realismo socialista. Después de esta ruptura, los artistas se dividieron: los que quieren salvar lo salvable-como Guttuso-y los que quieren arrogarse el derecho - como el Grupo Forma - a inscribirse en el partido pero a expresarse de una manera nueva. Romiti no toma una posición, no tiene pretensiones realistas ni abstractas, ni está inscrito en el partido. Al año siguiente expone en la Galleria del Secolo de Roma con Vacchi y Barnabè. En 1954 ganó un premio de compra en la segunda edición del Premio Spoleto. Se mantuvo a la vanguardia de la escena artística italiana y obtuvo en 1960 la sala personal en la Bienal de Venecia. Después de los años 60, su trayectoria artística llevará a consecuencias extremas. Nunca se había mudado de su ciudad natal, excepto brevemente y después de haber llevado una vida aislada y solitaria, decidió poner fin a su vida el 12 de marzo de 2000.

Partiendo de un neopicasismo muy personal (principios de los cincuenta), Romiti resiente el código expresivo y poético de su conciudadano Giorgio Morandi. En 1954 en la revista compare el crítico de arte Arcangeli incluye-incorrectamente-el nuestro entre los últimos naturalistas. Pintor de difícil interpretación, puede situarse a medio camino entre Morandi y lo informal o - como le gustaba repetir - a medio camino entre Morandi y Paco Rabanne. De hecho, su arte utiliza la metáfora del objeto como pretexto: el objeto de observación se propone de nuevo en las obras filtradas por una dimensión mental que tiene lo mejor de lo que se considera un punto de partida. El objeto vuelto a proponer es como destilado y presentado con un aroma ácido, que sinestésicamente hace que el ataque de disolución perpetrado en el objeto. Ataque que será sistemático a partir de 1955. La sustracción, además del objeto, también comienza a referirse a los colores: de los Rojos de las carnicerías de 1948-1949, al azul y verde de las cocinas con estantes, de las mesas y más tarde del planchado, llega en 1960 al blanco negro, elegido consistentemente continuado hasta 1965, año en el que las piezas cromáticas, los campos, son prácticamente negros y el en el que el artista ha entrado irreversiblemente Antes de esta fecha el escaneo mental y estructural de sus obras es muy fuerte. Más tarde, la estructura se pierde, la distinción objeto-fondo comienza a ser menos clara, la carcasa del objeto se está ensanchando y destilando. Ahora el objeto se reabsorbe desde el fondo, desde el objeto que ha movido al vacío, las pinceladas suaves son portadoras de un ph bajo. Es el camino que Ungaretti y Montale, escritor, están tomando al mismo tiempo en el campo literario, que definirá la pintura de Romiti reconocible entre mil. Es hora de que el artista deje de pintar, quizás porque considera que se ha acercado al grado cero de su camino poético. Pero, incapaz de mantenerse alejado de la pintura, volvió a ella de puntillas tratando de Continuar en pistas ya aparentemente interrumpidas en 1965. En 1976 es la importante retrospectiva nuestra en Bolonia comisariada por Maurizio Calvesi. Después de esa fecha, frustrado por el malentendido hacia las obras del último período de actividad, es golpeado por una amarga tormenta emocional que termina intencionalmente en 2000 con su vida. En 2006 la Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna organiza una retrospectiva sobre él, proponiendo también obras inéditas. En 2008 se celebra el 80 aniversario del nacimiento del artista. Una lectura posterior. Desde los años 60, Sergio Romiti intentó recuperar en la pintura un espacio que se sentía comprometido por el "perdre pied" (así definido por el crítico Tapié) del arte dominante de la época: el Informel. Poco a poco llegó a una "gravedad" más imponente, sin descuidar nunca en la forma esa "ligereza" - e incluso esa "inseguridad" - que le gustaba. Las pinturas de principios de los años 60 (hablamos, por supuesto, del siglo pasado) exhiben en su mayoría un color gris suave, con puntas de negro o rojo. En el curso de la década es más evidente en su pintura (que había mantenido, por así decirlo, "la humildad del do'' en fidelidad a los métodos tradicionales de pintura, e incluso en el pequeño, mediano y formato) una especie de crueldad de la sección, que muestra un impulso para" limitar "la atmósfera Informal sin casarse con la figurativa, o una estructura compositiva donde la forma parece superpuesta casi geométricamente en el dibujo de las pinturas:" la forma en él, él es inherente y necesario para el "corazón" de las composiciones en sí, donde se puede coger el "frenado" (y la "aceleración" y "chirrido" : "dinamismo" en resumen), a la que el artista había mencionado sobre estas pinturas, que fueron clasificados como "Negro" para el color en ellos es dominante Pero, teniendo en cuenta sus admisiones de una manera, Romiti entonces diseñado especialmente para hacer violencia a la "ceniza" en la que la vida pierde su característica, y puede ser, de hecho, solo polvo, o disolución, o ceniza, no compactada lo suficiente de la intervención crítica/artista formal, antes del colapso final, que es la muerte, es decir, antes de que el procesamiento (la mayoría se puede llevar a cabo) cada uno al nacer Su oposición declarada al arte informal, sin embargo, le costó la acusación, por parte de algunos críticos, de estar "en contra de la modernidad" . Las capas especiales y los desvanecimientos, los arranques repentinos o la oscuridad de esta pintura también podrían indicar los movimientos complejos de la psique, con la traducción de esa actividad interna que se le ha dado el nombre de "corriente de conciencia" . Sin embargo, el "dinamismo" de sus pinturas aparece cada vez más como el "otro lado" de una atracción que, como la casi opuesta a lo informal, puede operar destructivamente sobre la vida: puede operar al menos como una "experimentación profanadora" diferente. De hecho, si uno u otro impulso (el impulso más "vital" del movimiento, o el impulso "estático" de la ceniza) se vuelve excesivo, "fuera de medida" , o si hace que la única voz, huérfana, del presente, prevalezca sobre cualquier otra voz: aquí prevalecerá la decadencia del período histórico actual, lamentada por muchos estudiosos. En Romiti, sin embargo, existe la necesidad, debatida y vital, de encontrar de nuevo los objetos de la "realidad" (ya "perdidos" en las formas más habituales y reconocibles) "sensibles a su mirada" . Pero en estos años, solo la sombra y la luz parecen haber tomado su lugar. A lo largo de la década del ''70 tiende a imponer en sus aceites una "absolutización del presente" , con lo agresivo que esto puede implicar. En los últimos veinte años nos encontramos entonces ante una situación angustiosa de su existencia, oscilando entre la luz y la oscuridad, que las pinturas revelan, pero igualmente revelándose a sí mismas, menos atraídas (como había sucedido en la década anterior) por una idea de vida, por así decirlo, única y más radicalmente "eversiva" . Todavía está la "odisea del objeto" , y está - a veces exasperado - el "movimiento" (¡con el "orgullo de asumirlo" !). Hay, sin embargo, junto a algún exceso de emotividad o menos "lucidez" , la acentuada llamada a un horizonte "otro" , metafísico. De hecho, con el redescubrimiento de una "felicidad de la pintura" , donde el presente - nunca ineludible - debe convertirse en un laboratorio de los otros tiempos de nuestra vida, la dimensión del "Ser" se ha preñado ahora más cerca de lo que, "por oposición" , podría llamarse de "devenir" . Esta dimensión se hace más visible en los últimos acrílicos, precisamente en virtud del deseo del pintor de recuperar, lo más plenamente posible, "toda la realidad" : fantasías subterráneas - y más "humildes" e infantiles, y creencias en lo trascendente, y aún "movimiento" e inmanencia - incluidas. Fuente: El crítico Giovanni Maria Accame presentó recientemente en el Circolo Artistico di Bologna algunas obras de Sergio Romiti en la década de su muerte. El texto de la presentación está incluido en un cd en la galería del círculo. Del texto de G. M. Accame "El equilibrio amenazado”: " Sergio Romiti y la imagen del futuro ", por G. G. R. Están, aún hoy, en una fase, por así decirlo, auroral y amateur del uso de la palabra escrita. Por esta razón tengo una gran modestia para llamarme en cuestión como un" poeta "que se alinearía con sus palabras a las pinturas de su marido Sergio Romiti. Sin embargo, estoy inducido a hacerlo– incluso con pocos ejemplos de lo que he escrito, y exponiéndome a acusaciones de vanidad, o peor-especialmente por lo que ha resultado, en nuestros años juntos, ser una experiencia fundamental e inusual de" relación ". Tampoco renuncio a empujarme para este propósito más allá del arco indudablemente central (60s / 70s) de los" fragmentos de pensamiento " tomados en cuenta por Giovanni M. Accame (así como por Gisella Vismara) con tal perspicacia y participación, aventurarse hasta los últimos años de la actividad del desierto (anni ''80/''90): años y más improvisado, se podría decir, y sin embargo imbuido de una investigación creativa llevada a cabo a fondo antes de ser aparentemente pasado por alto, y puesto recientemente a la luz en una exposición comisariada por Michela Scolaro en la Fondazione del Monte di Bologna. De hecho, es en esos años-es en las obras maduradas en ese período-que a mis ojos se especifica la intuición de Accame sobre el "movimiento" que parece animar las obras mismas. Y que produce una fluctuación, entre la idea de "dinamismo" e " inmovilidad "(o intemporalità) del ser, poniendo en primer plano una" narrativa de sintaxis "ya no es la del arte clásico (como había en obras anteriores): no es, de hecho, perdido el hilo de la historia" , y todo se convirtió en "no narrativa" (tan áspero expresado sobre Proust Mario Lavagetto en su " que Marcel! ”. Permítanme dibujar para la pintura del desierto a un parámetro crítico similar a la indicada tan provechosamente por Lavagetto, así como para reafirmar que su retirada en sí mismo y su universo, de alguien rimproveratogli (sin embargo, es indispensable, especialmente para un artista, escuchar, e incluso el amor, de sí mismo?) también sucede en él asumir más profundamente el otro y el mundo de todos (" je qui n''est pas moi” es citado por Lavagetto para Proust, así como " je est un autre " , de Rimbaud, es citado por M Einaudi). El "movimiento" y la " discontinuidad "en Romiti encuentran una correspondencia en las infinitas ramas y transformaciones del ego en Proust– por otro lado dirigido a construir una" permanencia "no irrealista. Colegial para Romiti). Tal vez incluso conservado para un enfoque más coherente de la realidad: el desierto, de hecho, tan convenientemente" oating "con respecto a la noticia (y clásico) ha transmitido a través de su arte una imagen" firme "del futuro, dejando atrás un legado en la" aprobación "concreta-la más abiertamente entendido en las" pinturas negras "- de las vanguardias del siglo XX, nunca separados, sin embargo, por la necesidad de salvaguardar una memoria imperdible, no centrado solo en uno mismo, de nuestro arte a lo largo de los siglos Su carácter (así como, al menos en parte," el clima estético de la época ") , se confirma en las reflexiones esporádicas y contingentes ofrece ahora al lector (una especie de "sin lenguaje" alude Accame) que se recuerdan, junto con las expresiones "más" de su pintura, el equilibrio amenazó el título. Pero equilibrio equilibrio amenazado, precisamente; no perdido. Romiti no se perdió que al parecer en el camino completado, nunca traicionó a su más íntimo, pero a menudo incomprendido, vocación que recuerda, también para lo que llamé "relación" (y que fue para nosotros una especie de rendimiento involuntario de una pareja larga vida) una invasión de lo vivido en los tiempos del arte. Y viceversa.

A estas obras hay que añadir, por tanto, las que aparecen en los catálogos de las dos fundaciones (Carisbo y del Monte) y en el anterior y más completo catálogo de Silvana.

Pintores italianos del siglo xx

Nacido en 1928

Muertes en 2000

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Caballeros de la Orden de La Cruz de Hierro

Cruz de hierro de primera clase

Cruces de hierro de segunda clase

Medallas de plata para el valor militar

Medallas de bronce para el valor militar

Jugadores de F. K. Dynamo Kyïv

Entrenadores de F. K. Dynamo Kyïv

Entrenadores de fútbol soviéticos

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Muertes en 2015

Nacido el 1 de abril

Muertes el 21 de febrero

Muertes en Kiev

Jugadores del equipo nacional de Ucrania

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