Retablo de Santa Eufemia

El retablo de Sant'Eufemia es un óleo sobre tabla (331x217 cm) de Moretto, fechado entre 1526 y 1530 y conservado originalmente en la Iglesia de Sant'Afra en Brescia, hoy transferido a la Pinacoteca Tosio Martinengo. Es probablemente la primera de las grandes obras maestras de Moretto, situada al comienzo de su plena madurez artística. Los cromatismos se representan con extrema eficiencia y observamos un cuidadoso estudio, nunca antes realizado, de la composición estructural y las formas representadas, con elementos opuestos, simetrías, masas en equilibrio y giros. De considerable importancia también aparece el marco arquitectónico, el primero de su tipo en la producción del pintor, utilizado aquí como parte integral de la composición en el equilibrio general de las formas. La obra aparece sustancialmente muy calibrada y estudiada en todas sus partes, desde los rostros de los personajes hasta sus posturas, el paisaje de fondo, las sombras y los reflejos de cada elemento.

La pintura fue colocada originalmente en el altar mayor de la Iglesia de Sant''Afra en Brescia. En 1805 el monasterio adyacente fue suprimido y transformado en un cuartel militar, mientras que la iglesia fue declarada filial de la iglesia homónima de Sant''Afra en via Francesco Crispi, hoy La Iglesia de Sant''Angela Merici, perdiendo su independencia. La fábrica de este último, que ahora subyace a la Iglesia de Sant''Afra, decidió donar la mesa a la Pinacoteca Tosio Martinengo en 1867, reemplazándola por una pintura de Enea Salmeggia, de la misma colección de Tosio que había contribuido al nacimiento de la pinacoteca. En la literatura artística, El último que lo ve en su lugar es Federico Odorici en 1853, mientras que Giovanni Battista Cavalcaselle ya lo describe en la pinacoteca en 1871. El trabajo todavía está en exhibición aquí hoy.

La escena representada en la obra se mantiene completamente dentro del contexto arquitectónico, formado por cuatro pilares de esquina, con molduras densas pero simples, que sostienen una especie de vela, con al menos tres aberturas circulares, difíciles de identificar en su estructura inusual. Frente a ella, levitando en el aire, se encuentra el grupo luminoso de Nuestra Señora regente el niño y flanqueado a la izquierda por San Juan Bautista niño. Los tres descansan sobre una fina capa de nubes blancas y ángeles dorados. En el nivel inferior están en cambio en adoración Cuatro Santos, San Benito, Santa Eufemia, Santa Giustina y San Paterio, de izquierda a derecha. Este último fue un antiguo obispo de la ciudad, cuyas reliquias se conservan precisamente, incluso hoy en día, en la cripta debajo de la Iglesia. Los trajes de los personajes son muy variados y coloridos, alcanzando la máxima riqueza en la de San Benedetto, con elaborados bordados de oro y una gruesa banda decorada con figuras de Santos y más a lo largo del borde. Los dos Santos sostienen la palma del martirio, los dos Santos el personal pastoral. San Paterio también lleva la mitra en la cabeza, mientras que la de San Benito está descansando sobre sus pies. En el fondo, más allá del compartimento arquitectónico donde se desarrolla la escena, se abre un paisaje profundo, con montañas que se pierden en la niebla y una poderosa ciudad fortificada. El cielo es azul uniforme, luego cubierto por nubes blancas hacia el horizonte.

La obra se convirtió inmediatamente en un gran éxito, elogiado tanto por Bernardino Faino en 1630 y por Francesco Paglia en 1660. Con tonos incluso enfáticos, se plantea Giulio Antonio Averoldi, que analiza cuidadosamente el papel del encuadre arquitectónico masivo, "porque la arquitectura pintada empuja hacia adelante de tal forma la primera, y las segundas figuras, y sabe degradar la tercera" , luego considerando el paisaje inclinado "con proporción maestra, con ese efecto de aire que separa las figuras" . Paolo Brognoli es el primer crítico del siglo XIX que habla de ello, en 1826, con elogios aún más cautivados por la belleza del retablo, al igual que Giovanni Battista Cavalcaselle en 1871. Adolfo Venturi, en 1929, insiste en destacar la preciosidad y suavidad del tejido cromático : "el ábside se abre, y bajo los Óculos de la bóveda aparece, entre un rayo brillante, el grupo embarocchito de la Virgen con el niño y San Juan. En la Tierra, Los Santos Eufemia y Giustina describen dos curvas simétricas con sus cuerpos; en san Benedetto, en pijiale púrpura con gran dobladillo de Oro, san Paterio, en Pijiale amaranto con flores de oro, se empareja. Más determinado que de costumbre es el área baja de la aldea, con un stilobate corto, profundizado a lo largo de las orillas de una corriente, que se detiene en un castillo coronado con verde; y el verde se destaca en rocas, y éstos en edificios distantes, casas, torres, fortificación, al pie de una cortina azul de colinas. La suavidad de la carne, el drapeado y suave, la caricia de la Moretto, se está concretando, pero para revelar mejor la personalidad que sirvió con el ejemplo de Tiziano, que, además de romper la simetría rígida, reducir la oposición forzada, dijo que las imágenes ligereza aumentado, el movimiento más libre y animada" , como que, por lo tanto, el pelo oscuro muestra para seguir esta tabla. El crítico entonces considera el desapego de la fuerte influencia del Romanino, desapego también aprendido por György Gombosi en 1943 que, analizando la pintura, la sitúa en un momento decisivo en su carrera artística "ya que la espacialidad y el brillo le dan a la pintura una nueva nota completamente anti - romaniniana" . Gombosi ve en la pintura no solo bellezas pictóricas, sino también bellezas formales completamente nuevas, concluyendo que "la capacidad de revivir la composición a través de los efectos rítmicos de lo contrario se desarrolla en Moretto. En particular, los cuerpos de los Santos, a través de la conmoción interna, a través de los giros lentos, la redondez suave y dúctil de sus perfiles, dan a la pintura una especie de ritmo de onda que conduce, con cierta suavidad, las líneas constructivas de la composición" . Camillo Boselli, en 1954, también estuvo de acuerdo con estas opiniones y se centró en la atención mostrada por Moretto a los problemas de composición, que aparece en una "mayor cadencia lineal, un gran semiellissi, una especie de arco triunfal en el que se inscriben las figuras de los Santos y el vasto complejo de la Virgen, con confianza nunca antes había tenido." Boselli continúa: "esta madurez compositiva también aparece en el marco arquitectónico que comenta sobre esta dulce subida al cielo, Marco ahora hábilmente organizado en un organismo cuadrado perfecto, cubierto por una extraña bóveda en la que se abren cuatro ojos puros del cielo. Y las masas arquitectónicas, muy sencillas en su juego de ligeras proyecciones profundizadas por la sombra, comentan con sus planes la disposición tranquila y bien definida de las masas" . Luego concluye: "la grandeza de la obra está en estos logros, una grandeza obtenida a través de un estudio más amoroso y profundo de las relaciones entre luz y sombra, estudio y relaciones empujadas a lo que podríamos llamar el límite de la sensibilidad de Brescia en el campo del arte renacentista" . En 1591, la cara del relicario de Sant''Afra, perteneciente a la misma iglesia donde se conservaba originalmente el retablo, fue modelada sobre la imagen de Santa Eufemia.

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