Historia del jazz

La historia del jazz, como la de muchos otros géneros de la música popular, y especialmente los que están arraigados en la tradición de los esclavos, afroamericanos e indonesios (el primero de todos es el espiritual) es muy pobre de documentos y referencias, especialmente con respecto a sus orígenes y sus comienzos. Las primeras fuentes orales sobre el nacimiento del jazz en Nueva Orleans se remontan a principios del siglo XX, mientras que las escritas se remontan a la década siguiente. Aunque los géneros musicales preexistentes que determinaron su nacimiento son variados y difíciles de clasificar con precisión, convencionalmente el nacimiento del jazz se remonta a las canciones de trabajo de africanos deportados a los Estados Unidos y esclavizados. El género se desarrolló exponencialmente entre 1915 y 1940, convirtiéndose en la música de baile dominante entre las décadas de 1930 y 1940, cuando las canciones de big band regularmente encabezaron las listas. Este período fue seguido por varias décadas en las que el jazz se caracterizó cada vez más como una música de arte, típicamente afroamericana. Siguió un período de declive y marginación que terminó en los años ochenta, durante el cual una generación de jóvenes músicos y dio nueva vida a perseguir diferentes tendencias incluso en ausencia de un estilo dominante: así las diferentes escuelas de jazz europeo, un estilo mainstream, refiriéndose a la época de los años cincuenta, y las diversas influencias que siguieron experimentando la fusión llegando a un estilo dijo acid jazz o que miró con interés las tradiciones musicales étnicas en la dirección de la música del mundo Mientras tanto, la audiencia de jazz estadounidense disminuyó, mientras que la música despertó un creciente interés en Europa y el resto del mundo. Esta tendencia, que comenzó con el movimiento Bebop en 1945, alcanzó su apogeo en los años sesenta con el movimiento free jazz, que apuntaba a la emancipación total del músico. Incluso la industria discográfica volvió a interesarse por los sonidos del jazz-si no por su estética-promoviendo a varios artistas especializados en el smooth jazz, un tipo de jazz extremadamente ligero. Hoy en día, la música de Jazz representa alrededor del 3% de la producción musical de América del Norte, pero tiene seguidores en todo el mundo.

El origen de la palabra jazz (que originalmente se escribió jass) es incierto. Una hipótesis deriva la palabra jass de la palabra etimológica Francesa jaser (croar, hacer ruido, incluso copular en el dialecto de la Luisiana de habla francesa del 700). La línea etimológica Francesa jaser-jass parece ser apoyada por los periódicos de finales de 1800 a 1918 y por los testimonios de músicos de Nueva Orleans, según los cuales esta música fue considerada en ambientes tradicionales como "fracasso" , "ruido desagradable" , música "cacofónica" . En contraste con esta teoría, la evidencia reciente recopilada entre algunos de los músicos de Nueva Orleans a principios del siglo XX indica que la palabra no se usó en Nueva Orleans para denotar una música hasta 1917, cuando llegó una carta que Freddie Keppard envió desde Chicago a Joe "King" Oliver, quien se la mostró a su protegido Louis Armstrong. Una hipótesis reciente es que la palabra tiene un origen norteño, con las certificaciones de uso localizadas en el área de San Francisco. El investigador Gerald Cohen encontró que la palabra comenzó a aparecer en el periódico San Francisco Chronicle en 1913, como sinónimo de vigor, energía, efervescencia. El Cronista que lo usó lo tomaría prestado de otro cronista, quien a su vez lo escucharía utilizado por los jugadores de dados durante un juego. Otros asocian la palabra jazz con la jerga a jizz (jism), una palabra sucia que indica virilidad masculina. Así que para algunos la música jazz habría sido entonces "música de la eyaculación" por su presencia en burdeles, para otros habría significado inicialmente "música de recientemente" o-positivamente - "música efervescente" . Si esto también fuera cierto, es muy probable que esta asociación se hubiera perdido en 1913 o la palabra difícilmente se hubiera impreso en un periódico. Sin embargo, después de que la palabra "jazz" se hizo famosa, rápidamente se hizo rica en connotaciones incluso negativas hasta el punto de que a veces se usó como epíteto: un ejemplo bien conocido es un artículo muy crítico en el "Times Picayune" . Otros creen que la palabra jazz deriva de Jar, que en inglés significa jarrón. De hecho, los primeros instrumentistas de color usaban jarrones invertidos como percusión: de aquí, del inglés "to play jares" tocando jarrones, tarros o tarros nacería la expresión. Jugando con ollas cuya pronunciación es la misma que "to play jazz" . Poco a poco se convertiría en Jazz.

Muchos son los antepasados del jazz: reminiscencias de la música africana, canciones y llamadas de trabajo, himnos y espirituales de las iglesias protestantes, cantando el blues, africano, ragtime piano derivado de la música EuroAmericana, y la música europea para la banda militar, e incluso ecos de la obra son los elementos más importantes que contribuyeron a esta síntesis artística exitosa y brillante. De este sustrato musical surgió, a finales del siglo XIX, una canción individual que se llamó blues y que tuvo una amplia difusión, también a través de los canales comerciales nacientes, entre la población afroamericana. La combinación armónica y melódica que se encuentra en el blues no se encuentra en la música occidental (excepto por al menos una balada irlandesa que data de 1600 que tiene una estructura en 12 compases y un giro armónico típico del blues más arcaico y tradicional) y se encuentra en el jazz hasta los orígenes. Las raíces del jazz se hunden en la cultura musical africana de la vida cotidiana de los esclavos negros (aunque muy contaminada por las culturas europeas, especialmente inglesas y francesas, dominantes en el sur de Estados Unidos). Estas personas tenían con ellos una tradición que expresaba mientras trabajaban (los llamados "gritos de campo" , y " la canción de trabajo ") , mientras rezaban (el "espiritual" , que en los años treinta del siglo XX habría dado lugar al " Evangelio ") , y durante su tiempo libre. Ya en 1819, el arquitecto Benjamin Latrobe dejó testimonios escritos y dibujos de fiestas de esclavos que se reunían en la Plaza del Congo, una plaza de la ciudad, para bailar y jugar con instrumentos improvisados y música. La migración de afroamericanos del Sur al norte de los Estados Unidos, que tuvo lugar entre 1910 y 1920, también trajo a muchos de los músicos de Nueva Orleans, atraídos por las mayores ganancias que se ofrecían a los músicos en el norte y, según varios testigos, incluso por la decadencia del entretenimiento en Nueva Orleans, que se hace coincidir simbólicamente, con el cierre de Storyville, el barrio rojo de Nueva Orleans, que tuvo lugar en 1917 por el Ministerio de guerra: la tradición cuenta que el jazz nació y floreció en los burdeles del barrio Durante el siglo XIX y especialmente en la segunda mitad, las tradiciones musicales afroamericanas comenzaron a encontrar eco en los espectáculos de entretenimiento, a través de diversas formas de representación, de las cuales quizás las más famosas fueron los "espectáculos de juglar" que en un marco cargado de estereotipos raciales representaban personajes típicos de los afroamericanos. La música escénica de estos espectáculos fueron reelaboraciones de la música afroamericana. Lo más probable es que la importancia de Storyville para el jazz fue exagerada, pero es cierto que muchos protagonistas jugaron allí, y que, quizás también por esto, desde el principio el jazz tuvo una mala reputación. El Jazz a menudo se llevaba al norte en barcos por el Mississippi, que contrataban orquestas como entretenimiento a bordo. Desde un punto de vista musical, el sonido contrapuntístico y ensemble (normalmente con el tema expuesto a la corneta, el soporte armónico confiado a los arpegios del clarinete, todo ligado por las frases y efectos glissato del trombón y con improvisaciones colectivas finales) de las formaciones de Nueva Orleans da paso a un estilo en el que domina la actuación del solista (gracias técnicamente preparado), mientras que la figuración rítmica más sofisticada de los de derivaciones de banda comienzan a emerger El objetivo de muchos de los músicos era Chicago, una ciudad que atrajo incluso al rey Oliver, y alrededor de la cual creó una escuela de la que surgieron muchos de los protagonistas, especialmente los blancos, entre ellos Bix Beiderbecke, Frankie Trumbauer (primer saxofonista americano - saxofón fue patentado en 1846 en París y exportado al resultado de las bandas militares), Pee Wee Russell. La figura principal del período Es Louis Armstrong, que fue llamado a Chicago por el "rey" de Nueva Orleans Rey Oliver. Después de unos meses con el grupo de Oliver, Armstrong (con las grabaciones históricas de sus bandas, The Hot Five y The Hot Seven), en 1925 se estableció como el trompetista símbolo del movimiento (Armstrong es considerado el músico de jazz más prolífico y talentoso de todos los tiempos). Cuando se le pidió que escribiera una historia de la música de Jazz, Miles Davis respondió: "la historia del jazz está escrita en cuatro palabras. Louis Armstrong, Charlie Parker." Los años también vieron el nacimiento de la industria discográfica: en 1917 fue lanzado lo que se considera el primer disco de música jazz, por Nick La Rocca un cornetista de orígenes sicilianos. En 1920, la cantante de blues Mamie Smith grabó "Crazy Blues" , que vendió un millón de copias y explotó la industria discográfica dedicada a los negros, los llamados "discos de raza" , que despegó las carreras de muchos músicos, incluidos muchos cantantes de blues, de los cuales quizás el más famoso es Bessie Smith. El vínculo entre el blues y el jazz durante estos años viviendo en un underground, debido a la connotación de la fuertemente racial y la fama poco refinamiento del blues: verá músicos blancos, que toman seudónimos negros para hackear el blues, mientras que los músicos de jazz, que atendieron a las audiencias blancas de los clubes locales durante mucho tiempo, tocarán el blues en público. Cabe señalar que muchas de las canciones que en este período contienen la palabra blues en el título no son blues en absoluto y usan el término solo por su efecto colorista.

Después de la era del jazz (los locos años veinte), el swing se desarrolló, estableciéndose como música de baile y extendiéndose en speakeasy, el local donde el licor prohibido por la prohibición se vendía clandestinamente. Muchas estrellas, incluido el saxofonista Sidney Bechet, hicieron giras por Europa. Durante este período, Las primeras Big bands - recordemos a Fletcher Henderson, que también vio a Armstrong entre sus filas - encontraron excelentes oportunidades comerciales en las grandes salas de baile, como el Roseland y el Savoy en Nueva York. Para dar testimonio de la popularidad de las orquestas en este período, La Prensa coronó al "rey del jazz" Paul Whiteman, director de orquesta, un blanco canonizó la formación de las orquestas de danza de la época, introduciendo, por ejemplo, la sección de Saxofones, y conocido entre otras cosas por haber encargado a George Gershwin la canción "Rhapsody in blue" , que fusionó elementos de jazz en un marco de la composición de origen clásico. Todo el mundo había notado el jazz, lo había oído y hablado de él. También en Hollywood, donde comenzaron a producir películas en las que la música jazz tenía un papel protagonista, o indirectamente como un comentario sobre la acción, llamando a algunos de los músicos más prominentes del momento a participar (a menudo solo con apariciones fugaces). La segregación Racial, que hasta entonces había sido la regla en las orquestas de jazz, así como en los clubes, comenzó en esos años a perder algo de su compacidad, gracias también al valiente ejemplo de directores como Goodman y Shaw que hicieron giras con artistas afroamericanos Roy Eldridge y Billie Holiday. Radio asumió el papel de radiodifusión que hasta hace poco había sido jugado por los registros, y las orquestas de jazz que las emisoras transmiten en vivo en programas con nombres como "Let''s Dance" (es decir, "let''s dance" , el programa que hizo famosa a la Orquesta de Benny Goodman en el oeste de Estados Unidos) assursiono a la parte superior de las listas de música de la época, haciendo el título de " Rey Del Swing ") , Artie Shaw (que, en competencia con Goodman, se le dio el título de " Rey del clarinete ") , Duke Ellington y su Orquesta-La Orquesta de la vida durante años, con un repertorio de innovador y muy original, las noches del famoso Cotton Club, Cab Calloway-otro "rey" del Cotton Club, Woody Herman, Count Basie, Ella Fitzgerald, Glenn Miller La depresión económica-que comenzó con el colapso de Wall Street en 1929 y el fin de la prohibición - puso fin a la era del jazz como se había conocido hasta entonces. El éxito de estos programas y de las orquestas que allí tocaban fue acompañado por la difusión de nuevos bailes, como el jitterbug (y su descendiente jive) y sobre todo el swing que acabó dando a la década el apodo de "age of swing" . Goodman, quien contrató a Fletcher Henderson como arreglista, fue el jugador dominante durante gran parte de la década, con un éxito que culminó en 1938 con un concierto en el Templo de la música culta de Nueva York, Carnegie Hall, un concierto en el que Goodman invitó a invitados solistas de todas las principales orquestas de la época. La ciudad de Nueva York, gracias al ambiente favorable creado por la presencia de una próspera industria de la música y el espectáculo, una vida nocturna muy activa, que (aunque a menudo está dominada por el inframundo) - alimentó muchos salones de baile y clubes nocturnos, y - en el barrio de Harlem - una gran comunidad de color que estaba experimentando un período de relativa prosperidad, adquirida en estos años, un, atrayendo a muchos músicos tanto del Sur como del Medio Oeste: es aquí donde Henderson establece su orquesta y es aquí donde el joven Duke Ellington se muda desde su natal Washington Musicalmente, la mayoría de las orquestas de jazz fusionaron el estilo de Chicago con el personal de la Orquesta de baile, aunque los conjuntos más innovadores (Ellington, Basie) contribuyeron sustancialmente a la definición de un estilo y repertorio originales. Hacia mediados de los años treinta, también como resultado de los primeros disturbios raciales - recuerde la revuelta en Harlem en 1935 - Nueva York vio el declive de los blancos locales en los barrios negros (incluyendo el famoso Cotton Club), mientras que las áreas alrededor de Broadway, la gente de la carretera, y el distrito universitario en el Greenwich Village poblados de la zona que tenían pequeños grupos de jazz como la atracción principal. Desde el punto de vista de la música, mientras que siempre reivindica la figura del repertorio en solitario se centra predominantemente en la forma de la canción en 32 compases, que puede ser el tema del original, o-más a menudo - a derivarse de las canciones en boga, del musical o de la película (no hay que olvidar que en estos años están activos en la industria del entretenimiento algunos autores fabulosos, Berlín, Cole Porter, y más tarde Jerome Kern): así comienza la compilación de un repertorio de canciones conocidas por todos los músicos de jazz, llamadas estándares que se convertirán en una de las características del jazz para la formación pequeña Las estrellas de estos locales fueron Billie Holiday, Art Tatum, Fats Waller, Coleman Hawkins, Lester Young. El estilo que nació en estos clubes fue relajado y nocturno, ejemplificado por la interpretación del cuerpo y el alma dada en aquellos años por Hawkins, quien también fue uno de los instrumentistas que hicieron del saxofón tenor la voz dominante del jazz. Como resultado, el ritmo deja los dos trimestres típicos del período de Nueva Orleans y es cada vez más en cuatro trimestres. El estilo de improvisación también se transforma. A las variaciones melódicas y temáticas típicas del estilo de Chicago, se sustituye gradualmente un estilo vertical, que hace un uso intensivo de arpegios en los acordes que apoyan la armonía de la pieza. Un estilo de jazz más orientado al blues con características menos urbanas que el de Nueva York llegó en aquellos años practicado por las orquestas de Kansas City, Lugar de fundación de la Count Basie orchestra. En esta ciudad se formaron muchos protagonistas de los años que siguieron. En Europa el jazz fue visto con gran interés y los artistas que vinieron al continente para dar conciertos recibieron una excelente recepción, aún mejor por la relativa ausencia de segregación racial y prejuicios que aún prevalecían en América. Esto hizo que muchos jazzistas emprendieran largas giras en Europa (Coleman Hawkins y Sidney Bechet entre otros) causando el nacimiento de muchos grupos de imitadores. Esta relación del jazz con Europa habría sufrido un revés durante la Segunda Guerra Mundial solo para reanudarse con mayor vigor en los años de posguerra. Al menos un músico Europeo logró en este período ganar una fama que cruzaría el océano en la dirección opuesta, ganando gran notoriedad entre los jazzistas estadounidenses. Se trata de Django Reinhardt, un guitarrista belga de origen gitano que fusionó el swing y la música gitana de una manera aparentemente improbable, ganándose el respeto de sus colegas estadounidenses (a quienes conocería en su país solo hacia el final de su vida) a través de las grabaciones de los grupos que formó junto al violinista francés Stéphane Grappelli.

El advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, con las limitaciones e incertidumbres resultantes, puso fin al período de las grandes orquestas, la mayoría de las cuales, durante la década, tuvieron que disolverse. Alrededor de 1945, un nuevo estilo de jazz nació de un grupo de jóvenes músicos que se encontraron tarde en jam sessions celebradas en dos lugares de Harlem, Minton''s Playhouse y Monroe''S. Este estilo, con una palabra, recordaba el sonido de una cadencia característica de dos notas que estaba en piezas que se ejecuta, primero se llamó rebop, luego bebop, o simplemente bop: "Be - Bop" fue también el título de una canción grabada por Dizzy Gillespie en 1945, que se puede decir que marca el inicio oficial del movimiento. El bebop tomó muchas de las lecciones de música reciente, impartidas por músicos como Coleman Hawkins, Art Tatum y Lester Young, añadiendo un nuevo enfoque al tratamiento armónico de las canciones, tiempos rápidos, propulsión rítmica no convencional y, por primera vez desde el nacimiento del jazz, muy poca consideración por la bailabilidad y comerciabilidad de la producción musical. Los pioneros indiscutibles del género fueron el saxofonista alto Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie. Parker-que fue llamado Bird o Yardbird-fue, como Bix Beiderbecke antes que él, una figura ejemplar de genio autodestructivo (murió a los 35 años); Gillespie fue mucho más disciplinado y llevado a cuidar los aspectos organizativos y económicos de su negocio. En el corto tiempo que tocaron juntos los dos formalizaron y popularizaron el estilo que habían inventado, documentado en una serie de grabaciones históricas que hicieron para "Dial Records" . Otros grandes actores de la bop se hicieron entonces conocidos nombres: el pianista y compositor Thelonious Monk y su amigo (también pianista) Bud Powell, el baterista Kenny Clarke, los trompetistas Clifford Brown y Fats Navarro, los saxofonistas Sonny Rollins y Sonny Stitt, el baterista Max Roach, son solo algunos de los protagonistas de este movimiento. Gillespie y Parker terminaron separándose, principalmente debido a la intemperancia de Bird, quien, después de una estancia en California, regresó a Nueva York al frente de un grupo que formó parte, durante algún tiempo, del joven Miles Davis. Dizzy también continuó su carrera como líder, a menudo al frente de orquestas. Bebop se caracterizó como un movimiento de músicos, en lugar de directores y compositores, como lo demuestra el hecho de que las innovaciones que hizo prácticamente no se referían a la forma de las canciones, que continuó siendo dominado por la canción de treinta y dos compases AABA y el blues. También fue un movimiento conscientemente Afroamericano: Gillespie y otros recuerdan que una de las motivaciones de su investigación fue encontrar un tipo de música que los blancos no podían copiar. Además de la exasperación rítmica y el énfasis que puso en el virtuosismo instrumental, bebop transformó el enfoque armónico, infundiendo el tejido de acordeón de las piezas donde los acordes de Quinta disminuidos y los tonos de color eran ampliamente utilizados, y dando una tendencia horizontal a la improvisación. Las actitudes externas y el estilo de vida de los boppers, al menos tanto como su música, huyeron a su aversión por el conformista y la atención de un movimiento cultural Beat, para muchos miembros de los cuales (Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Lawrence Ferlinghetti) el bopper se convirtió en un punto de referencia musical, que mencionaron en sus obras, indicando en el Charlie Parker la musa del género. Las actitudes de los boppers - no solo la música - y las declaraciones crearon una división generacional con muchos de los músicos que los habían precedido (uno de los críticos más conocidos de los boppers fue Louis Armstrong). La fractura también se extendió al público en general que en este momento abandonó el jazz para recurrir a otros géneros: el jazz, después de haber dominado las listas durante décadas, casi de repente se convirtió en una música de arte, que buscó su público entre artistas e intelectuales. Sintiendo los estados de ánimo de la audiencia, en gran medida desfavorables a las complejidades y la dureza del nuevo género, Gillespie intentó suavizar sus bordes de varias maneras: una de las más rentables resultó ser la contaminación de su música con elementos de la música tradicional cubana. Durante un año, Dizzy, colaboró con músicos cubanos, especialmente con el conguero Chano Pozo, creando un género mixto, que fue durante algún tiempo llamado "Cubop" , que inició la relación entre el jazz y la música latinoamericana que daría otros buenos frutos en el futuro, a partir de la experiencia, que tuvo gran éxito, grabados de jazz Samba interpretados por Stan Getz en la segunda mitad de los años cincuenta. La reacción a los aspectos más extremos del estilo Bebop comenzó ya a finales de la década de 1940, por músicos que habían estado (y a veces continuaron haciéndolo) en el movimiento Boppist. Este movimiento, que por sus características melódicas y relajadas, tomó el nombre de cool jazz desarrollado entre finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta y fue uno de los primeros casos en los que un estilo nacido en Nueva York migró a la costa oeste de los Estados Unidos, encontrando seguidores en California en la zona de origen. La fecha de nacimiento de un movimiento convencional suele establecerse en 1949, con la grabación del álbum "Birth of the Cool" es obra de un nonet liderado por el trompetista Miles Davis y liderado por el arreglista Gil Evans, y que contaba en sus filas a muchos de los protagonistas del cool jazz: Gerry Mulligan, Lee Konitz, John Lewis, por nombrar solo algunos. Otros protagonistas del movimiento cool serían el trompetista Chet Baker (que se revela a través de su participación en el famoso cuarteto liderado por Gerry Mulligan quartet caracterizado por la ausencia del piano y que era este dicho " pianoless ") , los pianistas Lennie Tristano y Dave Brubeck, los saxofonistas Stan Getz y Paul Desmond. Muchos de los músicos que participaron en el movimiento cool no eran de Nueva York, o se habían mudado de Nueva York a California, lo que se asoció con este estilo hasta el punto de que también se llamó "West Coast Jazz" . Una excepción importante fue el Modern Jazz Quartet, un grupo Afroamericano liderado por John Lewis que durante décadas ofreció música que mezclaba estética fresca con elementos y sonidos derivados de la música clásica europea (especialmente barroca). Al igual que bop, cool jazz también disfrutó de un nicho de público, cuyo espécimen típico fue descrito a menudo como un joven estudiante universitario blanco. Al mismo tiempo (ya estamos a principios de los años cincuenta) los boppers sintieron la necesidad de una mayor aceptación por parte de la industria del entretenimiento, y abandonaron el período de experimentalismo comenzaron a crear formaciones cuyo propósito era hacer la música más pegadiza no tanto para el público en general, (fiel al género pop y que pronto comenzaría a ampliar para el público educado de clase media que había encontrado en el jazz la banda sonora ideal para sus noches A excepción de episodios raros (por ejemplo, la canción "Take Five" que, escrita por Paul Desmond e interpretada por el cuarteto de Dave Brubeck, escalaría las listas a mediados de la década siguiente), el divorcio entre el jazz y el público en general quedó definitivamente consagrado. Mientras que el estilo de vida autodestructivo ejemplificado por Parker abrió brechas en sus filas (el propio Parker murió, aún no tenía treinta y cinco años, en 1955), los jóvenes músicos que habían sido los protagonistas del movimiento bebop y que no se adherían a la estética cool domesticaron al bebop que en parte cambió de rostro y nombre convirtiéndose en hard - Bop. Entre los protagonistas de hard bop debemos recordar al menos a Art Blakey, quien, con el grupo de Jazz Messengers que dirigió recorrería durante casi treinta años los escenarios del mundo, y a Horace Silver, quien creó una música con sonidos variados, que recuerdan sus orígenes caboverdianos que durante los años sesenta asumieron colores funk. Entre los que continuaron su carrera a raíz del hard bop, también es notable la experiencia de Miles Davis que con una formación conocida como el "primer quinteto" (con John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones grabaron una serie de álbumes que conforman un compendio significativo del estilo del jazz de la época. Se convirtió en un sexteto después de la incorporación de Julian Cannonball Adderley, y (con la posterior inclusión de Bill Evans al piano) este entrenamiento es recordado como uno de los más grandes en el jazz, y la grabación de "Kind of Blue" uno de los álbumes fundamentales de toda la discografía jazz. A pesar de las dificultades, no todas las orquestas habían cerrado sus puertas. Además de la persistencia de los Veteranos Count Basie y Duke Ellington, recordamos las orquestas de Woody Herman, que lanzó muchos solistas importantes y estuvieron en actividad hasta los años ochenta y la de Stan Kenton, que persiguió un enfoque compositivo y casi sinfónico del jazz personal. Originales y muy exitosas fueron también las colaboraciones de Miles Davis con las formaciones orquestales dirigidas por Gil Evans, que continuaron la Asociación iniciada en el momento de "Birth of the Cool" . La experiencia significativa de este período Es la del bajista Charles Mingus que, a menudo dirigiendo grandes conjuntos (pero típicamente menos que una orquesta), y tomando inspiración de las tendencias más progresistas de la música de Ellington, por la que tenía una inmensa admiración, es reportado como uno de los compositores y directores más originales del período. También es digno de mención El pianista Cedar Walton, que resultó ser a menudo junto a muchos músicos hard bop.

Los años sesenta marcaron el final de la "edad de oro" de Eisenhower para los Estados Unidos y marcaron el comienzo de un período de cambios profundos, en el que la música en general y el jazz en particular no eran extraños. Muchos músicos agudizaron su conciencia social en la era de las luchas de la población afroamericana por la conquista de los derechos civiles iguales en los estados del Sur: muchos músicos (entre los más notables Max Roach, Sonny Rollins, Charles Mingus) crearon composiciones dedicadas al movimiento con títulos significativos como "Freedom Suite" y dieron amplio eco a su compromiso social. Incluso Louis Armstrong, que gozaba de una inmensa popularidad incluso fuera de las filas del público del jazz y solía separar estrictamente su vida privada de su imagen pública, se negó a participar en una gira en el extranjero organizada por el Departamento de estado en protesta por el tratamiento de los negros en los estados del Sur. Otra fuerza que cambió la forma del jazz fue la aparición de un gran mercado masivo dirigido a los jóvenes, cuyos gustos fueron a sonar más nueva y pegadiza música rock, funk y soul, para celebrar los enormes conciertos de la misa, que daría a los artistas que participaban y a las compañías discográficas que les apoyaban ventas. Mientras que muchos de los músicos de las décadas anteriores desaparecieron en la oscuridad, o emigraron a Europa, donde el clima era más favorable, y otros simplemente se unieron a los nuevos movimientos, otros optaron por tratar de fusionar el jazz con los nuevos sonidos y formas de producción. A finales de los años cincuenta, tanto el Bebop como el hard bop se habían endurecido en un ritualismo bastante repetitivo que fue inducido en parte por las formas musicales simples (blues y canción) que dominaban el repertorio y que indujeron a los autores a intentar, con poco éxito, introducir novedades complicando la estructura armónica de las canciones. Fueron el trabajo teórico de George Russell, y las composiciones y grabaciones resultantes seminales de Bill Evans, Miles Davis y su sexteto (y especialmente el ya mencionado tipo de azul) para introducir un estilo de composición e improvisación que se basa en las escalas musicales (modos) más que en acuerdos, que en las composiciones de esta escuela eran esencialmente estáticas. El desafío para el solista vino de la dirección de la imaginación armónica más que de la adhesión al concepto armónico de la pieza. El jazz Modal, nacido a finales de la década de 1950, fue completamente explorado en la primera mitad de la década siguiente. Los líderes de esta exploración fueron dos de los fundadores del género: Miles Davis - al frente de un nuevo quinteto compuesto por Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams, y John Coltrane, acompañado por McCoy Tyner, Elvin Jones, un baterista que creó un vocabulario nuevo y original, en el campo del jazz rítmico), y Jimmy Garrison. En los años setenta algunos músicos de jazz sintieron la necesidad de ampliar sus límites. Quieren hacer nuevas experiencias ya que sienten que todos los caminos ya se han recorrido. Es la era de los instrumentos eléctricos, guitarras y teclados. Muchos buscan la dirección más comercial y el deseo de enfrentarse a los ídolos de los jóvenes, guitarristas y cantantes de rock, pero Miles Davis primero, Herbie Hancock, Weather Report y muchos luego, promueven nueva música inspirada en el funk al rock al soul. En esos años se mezclaron diferentes estilos creando un género real llamado Jazz-rock o fusión o Jazz eléctrico. Según algunos historiadores, los caminos del jazz y el rock comenzaron a mezclarse entre 1967 y 1968 cuando el vibrafonista Gary Burton, El flautista Herbie Mann, el trompetista Don Ellis y otros, adoptaron en sus bandas algunos instrumentos eléctricos dando a su jazz un velo pop inicialmente tenue pero luego cada vez más observable. El primer grupo de jazz rock fue Fourth Way, fundado en 1968 por Yusef Lateef y Mike Nock, con la intención de influir en uno de los músicos más importantes de este género, Joe Zawinul. Jazz, sin embargo, resiste la electrificación hasta los años sesenta. El encuentro entre jazz y rock tiene lugar, físicamente, en las calles, en las manifestaciones por los derechos civiles y contra la guerra, en las universidades ocupadas y se expande en las bodegas donde se tocan jazz y rock y en los escenarios donde el jazz y el rock dan el cambio. El Rock busca en el jazz el fulcro de su liberación, el jazz busca en la electricidad del rock una nueva accesibilidad para comunicar. Se necesitará un genio, una personalidad carismática e impredecible para consagrar el pasaje fuera de cualquier compromiso comercial. Soy Miles Davis. Davis es por tanto la clave de esta revolución en sus discos aparecen Ron Carter, Tony Williams, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Chick Corea, Jack DeJohnette, Airto Moreira, Keith Jarrett, John McLaughlin. A principios de los años setenta fueron los "hijos" de Davis los que realmente crearon el género, de hecho, para que podamos hablar de jazz-rock, necesitamos sus discípulos. En primer lugar entre todos los informes meteorológicos de Shorter y Zawinul su Jazz rock es eléctrico e intelectual. La charla cambia para Herbie Hancock y Chick Corea que, convirtiéndose en verdaderas estrellas del jazz rock, mezclan la necesidad de comunicación con el cálculo económico, de hecho, la experiencia con Davis ha abierto a Chick Corea el camino que le ha consagrado una estrella de la fusión: En 1972 fundó junto a Joe Farrell, Stanley Clarke, Flora Purim, Airto Moreira, I Return to Forever. Mientras tanto de Davis nacerá una nueva generación de estudiantes: John Scofield, Marcus Miller, Gary Thomas, Mike Stern, Kenny Garret, Mino Cinelu, Bill Evans, Bob Berg, al Foster, Darryl Jones. Weather Report es la banda de importancia histórica y precursora del género jazz rock antes de que se llamara fusión una banda con nombres como Zawinul, Shorter, Miroslav Vitous, Jaco Pastorius, Peter Erskine y otros que se han alternado en 17 años de existencia del grupo. Sigue siendo la calidad siempre emocionante de los quince álbumes publicados entre 1971 y 1986. Otro es el gran cambio que se está produciendo; la guitarra eléctrica en el jazz nunca ha tenido un papel de liderazgo, pero con los años setenta aterriza una constelación de guitarristas Larry Coryell, Allan Holdsworth, Mike Stern, Bill Frisell, John Scofield, Vernon Reid y Pat Metheny. En el imaginario colectivo del jazz rock surgen dos guitarristas en estilo, personalidad, carácter: Bill Frisell y John McLaughlin. En 1974 Pat Metheny dio su contribución a una sesión de gran importancia en el jazz rock tocando con Paul Bley, Bruce Ditmas y Jaco Pastorius. Con Pastorius, virtuoso del bajo en el universo del jazz rock, trata algunos de los capítulos fundamentales de su carrera. De hecho, Pastorius, con Bob Moses está en el álbum debut de Metheny "Bright size life" de 1975 y en 1979 se encontrarán de nuevo en una memorable gira de Joni Mitchell. En 1973 otro hijo de Davis, Herbie Hancock, distinguido en el contexto del jazz eléctrico como un mago del teclado, da vida a los Headhunters dando uno de los mejores ejemplos de fusión, quizás el más cercano a la costumbre Americana Negra entre todos los discípulos de Davis. En los años ochenta, la fusión se convirtió en la forma predominante del jazz, ya que logra acercarse a culturas diferentes de la cultura afroamericana, por su relación con los instrumentos eléctricos y electrónicos y por el persistente tecnicismo.

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