Historia de la Sinfonía

Por historia de la Sinfonía podemos entender tanto la historia del uso del término, como la historia de la evolución de las formas musicales que llevaron a la llamada sinfonía clásica. Los dos conceptos son distintos, a veces de manera clara, a veces más matizados, pero es prácticamente imposible tocar uno de los dos temas sin entrar también en el otro. La siguiente exposición, por lo tanto, se refiere en paralelo a los dos aspectos, en su desarrollo diacrónico.

Para los antiguos Griegos, El término Συμφωνία generalmente indicaba consonancias, y en particular la consonancia perfecta, es decir, la octava, pero se usa (por ejemplo, por Aristóteles en De Caelo) también para indicar un concierto musical. En latín clásico, los coros en los que se cantaba la octava se llamaban sinfónicos. En la Edad Media la palabra sinfonía se oponía a diafonía : la primera indicaba consonancia, la segunda la disonancia. Una de sus vulgares corrupciones, zampogna, nos informa que la palabra también fue utilizada para indicar un instrumento musical de origen antiguo.

Es a partir del siglo siguiente que la palabra "sinfonía" comenzó a ser utilizado con frecuencia, con un significado bastante variable: en 1585, Amberes, calificamos como una Symphonia Angélica varias excelencias los músicos una selección de madrigales, en 1589 Symphoniae son nombrados por Luca Marenzio algunos descansos instrumentales, en 1597 (Venecia, Gerdano) Cantus sacrae symphoniae es el título de algunos de los poemas y voz instrumentali, de seis a dieciséis voces, de Giovanni Gabrieli, y en 1603 en Nuremberg (Kauffmann) Sacrae symphoniae diversorum excellentissimorum auctorum son una colección de canciones para ser cantadas o tocadas, de seis a doce voces El primer uso del término para indicar una pieza instrumental se remonta al siglo XV, y se encuentra en un manuscrito encontrado en Leipzig que contiene una sinfonía "para tuba y otros instrumentos armónicos" , pero tenga en cuenta que el término ''tuba " designa un instrumento mucho más agudo que la tuba actual. Pero la pieza que, desde principios del siglo XVII, se llama cada vez más sinfonía es el preludio instrumental de la ópera que nació en Italia por la Camerata de'' Bardi de Vincenzo Galilei. Basta pensar en la Sinfonía del famoso Orfeo de Claudio Monteverdi (1607). Monteverdi utilizará piezas instrumentales tanto en las óperas como en los madrigales, dando la decisiva al desarrollo de una escuela de música diferente a la vocal. Las sinfonías que fueron las obras de la escuela napolitana también se caracterizan por el uso de la misma estructura formal, en oposición a una sinfonía, que introdujo las obras de la escuela francesa, que tenía una más variada y a menudo fue al esquema ideado por Jean - Baptiste Lully adagio - allegro - adagio (obertura en francés). La Sinfonía de la escuela napolitana, que tuvo éxito rápidamente en toda la península, derivó su estructura de patrones de Alessandro Scarlatti, que había cambiado el orden de los movimientos, allegro - adagio - allegro (obertura en italiano), y en este sentido fue un paso importante hacia el uso de la forma canónicamente tripartita concerto vivaldi.

Las relaciones de influencia entre los géneros sinfónico y concierto no son unidireccionales. De hecho, se pueden identificar importantes progenitores de sinfonías en la forma cada vez más popular que en Francia, durante el primer cuarto del siglo XVIII, se llamó precisamente "concierto" . En comparación con el concierto solista italiano más antiguo y el "konzert" alemán, el francés era de hecho más a menudo una composición para un equipo orquestal sin solistas, al igual que lo será la sinfonía clásica. En las composiciones de música puramente instrumental, el término continuó siendo utilizado, incluso a principios del siglo XVIII, con un significado diverso: Johann Sebastian Bach las llamó, por ejemplo, sinfonías Invenciones a tres entradas para clave (1723), y el preludio del juego en Do menor para clave, así como algunas introducciones para cantar. En Italia, la Sinfonía del siglo XVIII se incorporó estos nuevos formal derivan del concierto grosso y solo; en este sentido, la crítica ha reconocido el Milanés Giovanni Battista Sammartini como uno de los precursores de la clásica, moderna, y capaz de anticipar formas, conjuntos y estilos que serán cristalizados por los compositores alemanes en todos Haydn que, a pesar de las muchas similitudes en color y características de exposición, niegan en vida haber conocido las obras o haber sido influenciado por Sammartini y sus cerca de 70 sinfonías Sin embargo, la generación de compositores alemanes que siguió a su generación, comenzando con su hijo Carl Philipp Emanuel, regularmente pensó en Sinfonía una pieza orquestal de grandes proporciones y dividida en tres (o más) movimientos. Las escuelas alemanas, especialmente en Viena y Mannheim, introdujeron sistemáticamente ese principio dinámico del bitematismo que probaría ser fundamental en el desarrollo de la forma - sonata. A lo largo de los 3 movimientos de la Sinfonía tendrá alternancia de tiempos, Rápido - Lento - Rápido tomado por Alessandro Scarlatti con la introducción fija del Minueto en 3/4 que será bastante similar al scherzo de las sinfonías en 4 tiempos y no al 3/8, más rápido, de las sinfonías de ópera. La escuela Lombarda será muy influyente y tendrá muchos seguidores, como el Conde Giorgio Giulini (1714-1780), Ferdinando Galimberti (supp 1730 - 1750), Melchiorre Chiesa (1716 - 1783), Giuseppe Ferdinando Brivio (? - CA. 1758) y sobre todo Antonio Brioschi (supp 1730 - 1750), cuyas obras serán ampliamente distribuidas en Europa (catálogos Breitkopf) además del círculo de compositores puramente Lombard Sammartini obras, también será influyente para otro compositor muy importante de sinfonías y conciertos, el Lucca Luigi Boccherini.

El compositor que más que ningún otro dio forma canónica a la sinfonía fue Franz Joseph Haydn, de quien nos han llegado 104 composiciones de este tipo. A través de un camino progresivo de investigación y desarrollo, Haydn llegó a constituir un modelo que seguirá siendo un punto de referencia constante durante casi dos siglos, la estructura de la Sinfonía, que se forma en cuatro movimientos, generalmente allegro en forma de sonata, andante o adagio, el minueto y el final allegro tempo, a menudo en forma de rondó. La culminación de la concepción Sinfónica de Haydn está registrada en las últimas doce sinfonías, llamadas sinfonías de Londres porque compuestas (entre 1791 y 1795) para el empresario londinense Salomon, pero incluso antes de estas composiciones el autor había dado excelentes ejemplos de Sinfonía, variando a veces el esquema de movimientos que él mismo definió. Entre sus muchos inventos formales que se convertirán en procedimientos típicos están: Wolfgang Amadeus Mozart también sigue un camino que desde los primeros ejemplos instrumentales de forma variable le lleva a un arreglo orgánico y muy expresivo. Las primeras obras sinfónicas, escritas en la pre-adolescencia, son formalmente ingenuas, y de algunas de ellas la autenticidad ha sido cuestionada (por ejemplo, la segunda K 17 y la tercera K 18, que han sido atribuidas a Leopold Mozart y Karl Friedrich Abel respectivamente). Las últimas seis sinfonías (K 385 Haffner, K 425 Linz, K 504 praga, K 543, K 550, K 551 Júpiter) son piezas de gran esfuerzo y complejidad, escritas para conjuntos orquestales mucho más grandes y variados. Codificada en una forma fija, la Sinfonía inmediatamente encontró una serie de trastornos en la obra de Ludwig van Beethoven que, por ejemplo, en primer lugar, reemplaza el minueto con el scherzo, siempre en tiempo ternario pero más rápido, y decididamente más lejos del estilo galante. Beethoven en sus nueve sinfonías amplía los modelos de sus dos grandes predecesores. En la primera mitad la sección de desarrollo es mucho más amplia, la recuperación tiene variaciones más marcadas que la exposición, mientras que la coda a menudo se convierte en una verdadera cuarta sección, que contiene el epílogo lógico del discurso musical. Hay innumerables innovaciones estilísticas que tuvieron una profunda influencia en la definición de las características de la civilización musical romántica. Basta pensar en la "disolución" del tema funerario en el movimiento lento de la Tercera Sinfonía, el uso del coro en la novena, la intrusión del tema del scherzo en el final de la quinta, los cinco movimientos Totales de la sexta. Por otro lado, el cambio más significativo introducido por Beethoven radica en el problema sinfónico. Desde Beethoven en adelante sinfonia es sinónimo de grandiosa concepción artística, de amplias proporciones no solo a nivel formal, sino también (y sobre todo) a nivel conceptual, hasta la poética Tardorromántica que, a través de las palabras de Gustav Mahler, definió la sinfonía como "un mundo" . Si para el hombre de la calle hablar de Sinfonía sugiere la idea de algo sublime, esto se debe en gran parte a esta concepción de Beethoven, ciertamente ya predicha en las últimas sinfonías de Haydn y Mozart, pero plenamente implementada en toda su turgencia y poder solo por el compositor de Bonn. Las innovaciones formales introducidas por Beethoven fueron de la mano con el desarrollo de la Orquesta Sinfónica. En la época de Mozart estas orquestas estaban de hecho compuestas por unas pocas docenas de instrumentos, mientras que con la novena de Beethoven alcanzaron los 100 elementos.

La siguiente generación de Beethoven no heredó inmediatamente la gran complejidad formal y la densidad expresiva de su música. Uno de los primeros grandes sinfonistas del siglo XIX, Franz Schubert, nos dejó diez ejemplos de sinfonías que presentan una estructura mucho más regular, en general, que el modelo de Beethoven. El carácter de las sinfonías Schubertianas, como de casi toda su música, es el de una cantabilidad patética, que insiste en la repetición variada de los detalles melódicos más que en el desarrollo temático que caracterizó a Beethoven. Las cinco sinfonías de Mendelssohn y las cuatro de Schumann se caracterizan por una mayor inventiva armónica y formal (especialmente en la primera), y a menudo se inspiran en una religiosidad protestante que se siente con un espíritu profundamente romántico. Fuera del ámbito Germánico, la Sinfonía también experimentó desarrollos mucho más heterodoxos a principios del siglo XIX, como nos muestra Héctor Berlioz con su fantástica Sinfonía, construida sobre una tela literaria como lo será pronto con el poema sinfónico. La instrumentación y el uso del contrapunto de Berlioz también son profundamente originales, y tendrán fuertes influencias en la sensibilidad del timbre de la escuela francesa de las generaciones siguientes, y a partir de ahí, en toda la música del siglo XX.

A Johannes Brahms y Anton Bruckner se les atribuye la consolidación del lenguaje sinfónico y darle una justificación arquitectónica más sólida. Las cuatro sinfonías de Brahms son la reivindicación de un compromiso moral en el paisaje romántico, con su austeridad de lenguaje y su pureza de formas, en comparación con el denso y muy complicado universo armónico Wagneriano. La renovación formal (evidente especialmente en la primera) se lleva a cabo en el signo de un rigor que no se encuentra en otros románticos, si no rara vez. Los temas principales de los primeros movimientos de Bruckner son a menudo tres, y en general cada movimiento se enriquece con otras ideas melódicas SECUNDARIAS; el coro de metales interviene con frecuencia para romper el impulso dinámico, el adagio es a menudo en la forma de un rondò, el final se articula cada vez más a menudo como el primer tempo en forma de sonata y, otros románticos tardíos como Dvořák y Franck) Bruckner comparte la precisión arquitectónica de Brahms, pero utiliza un lenguaje armónico que debe mucho más a la influencia de Richard Wagner; y con Bruckner el tamaño de la Sinfonía realiza un salto adelante, tanto como la longitud total, tanto para el conjunto instrumental utilizado (vendrá en las dos últimas sinfonías a tener las maderas a tres, con el fin de obtener acordes perfectos tonalmente homogéneos). Las voces solistas y los coros aparecen en diferentes sinfonías mahleriane: la segunda contiene un final que es un himno monumental de la resurrección; en la tercera, times six, involucró un solo alto, un coro femenino y un coro; en el octavo tono en el Veni Creator Spiritus y el final de Fausto de Johann Wolfgang von Goethe; la novena sinfonía termina con un Adagio señorial que dura casi media hora, mientras que la décima permaneció inacabado e incluye solo un Adagio inicial que ya lo proyecta hacia el universo de la atonalidad (los otros cuatro movimientos permanecen en estado fragmentario y han sido objeto de numerosos intentos de reconstrucción) Importantes contribuciones a la historia de la Sinfonía también incluyeron Antonín Dvořák, Pëtr Il''ič Čajkovskij, Aleksandr Porfir''evič Borodin, Camille Saint-Saëns, César Franck, Jean Sibelius. Un lugar separado ocupa Gustav Mahler, quien amplía aún más el aparato formal e instrumental de las sinfonías de Bruckner. El órgano también se enriquece con nueva percusión e instrumentos coloridos como el glockenspiel. Sin embargo, más que el aparato formal, que comienza a perder la especificidad de la estructura de la Sinfonía (algunas de las sinfonías de Mahler, como la octava, se parecen mucho a más de los altavoces), es un cambio en la concepción general de la obra, en la que se encuentra con una heterogeneidad sorprendente temas musicales, desde los más etéreos, construidos y complejos a los más simples y populares. En esto, quien es considerado el último gran sinfonista romántico, se desvía enormemente de su predecesor inmediato, Anton Bruckner, para proyectarse ya hacia el futuro.

La Sinfonía ha sido cultivada entre los contemporáneos con un compromiso a veces nostálgico vinculado a su ideal clásico (como en el caso de Prokofiev), a veces de una manera estrechamente vinculada a las evoluciones titánicas Tardorrománicas. Entre los compositores contemporáneos que han compuesto sinfonías debe recordarse: en el siglo XX, sin embargo, el término ha recuperado la versatilidad de significado que tenía siglos antes: las sinfonías de Schoenberg son, por ejemplo, composiciones de cámara, mientras que Richard Strauss llama a sus dos poemas sinfónicos Sinfonia Domestica y Alpensymphonie. En la música de la segunda mitad del siglo XX la Sinfonía en el sentido clásico, al igual que muchas otras formas tradicionales, no se reserva un gran interés.

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