Escultura románica

La escultura románica fue una de las actividades artísticas más importantes del arte de la época en Europa, desarrollada entre el XI y, dependiendo de las diferentes áreas europeas, el siglo XII o la primera mitad del XIII. En particular, es muy importante la reanudación de la escultura a escala monumental ocurrida en ese período, habiendo quedado hasta entonces relegada (al menos para mirar las obras que nos han llegado) a obras minuciosas o de aspecto caligráfico, como el Marfil, los orfebres, la escultura sobre capiteles, etc., aunque ha habido alguna excepción natural. La escultura románica se desarrolló como complemento de la arquitectura, decorando capiteles, dinteles y arquivoltas de ventanas y portales. En particular, el público que disfrutó de las actuaciones también cambió, ya no siendo una élite eclesiástica o imperial estrecha, sino un grupo mucho más amplio de personas de diferentes estratos sociales y culturales. La amplia difusión de estos fenómenos artísticos fue consecuencia del auge tecnológico y demográfico después del año mil y de la amplia movilidad de bienes y personas (pensemos también en las peregrinaciones). El renacimiento de la escultura monumental tuvo como Centros de irradiación especialmente Toulouse, Moissac y Borgoña en Francia, Módena en Italia, las regiones tocadas por el Camino de Santiago en España. Gracias a diversas influencias, los escultores pudieron crear un repertorio completamente nuevo, no vinculado a modelos e iconografías de la escultura clásica, interpretando libremente según las subescuelas regionales. También es importante la conciencia que los arquitectos tenían, desde este período, de su papel y su trabajo, tanto es así que firman con frecuencia sus obras, también junto a su nombre el título de magister. Un ejemplo de cómo los trabajadores se moverán con facilidad en toda Europa lo da el movimiento del llamado Maestro de Cabestany, activo en la segunda mitad del siglo XII, desde su región, Rosellón, y movido radialmente en Francia (Languedoc), en España (Cataluña y Navarra) e Italia (la Abadía de Sant'Antimo y San Casciano Val di Pesa).

En la iconografía de la iglesia románica hay temas de historias sagradas, pero también temas seculares y profanos. "Temas de la tradición iconográfica pagana (las historias de Hércules, El Laberinto, Las fábulas de Esopo y Fédro, genios funerarios, centauros, esfinges, victorias aladas, Leones) resurgen y los de la literatura caballeresca contemporánea (las historias del ciclo carolingio y el ciclo Bretón) se afirman. Y se crea un repertorio iconográfico relacionado con los ciclos estacionales del trabajo agrícola y la artesanía de los artesanos: típica es la secuencia de los doce meses del año, representada por los símbolos del zodiaco y las actividades campesinas, o la serie de artesanías. Estas imágenes de la vida cotidiana conviven con representaciones de un mundo irracional y fantástico: monstruos, dragones, sirenas. Todo está compuesto en un patrimonio cultural unitario, en el que-incluso en diferentes niveles de profundización-cada uno podría reconocer su experiencia real y cotidiana y ver traducidos en formas visibles los principios de la fe junto con las esperanzas y los temores de lo desconocido" . También debe recordarse que incluso en la literatura medieval hay muchas figuras mitológicas y animales que son alegorías de pecados, vicios y virtudes (piense en la comedia de Dante). Así, encontramos las virtudes cardinales (sabiduría, justicia, fortaleza, templanza) y las virtudes teologales (fe, esperanza, caridad), pero también las siete artes liberales, es decir, las artes del Trivium (gramática, dialéctica, retórica) y las artes del Quadrivium (aritmética, geometría, astronomía y música). Las fuentes de las grandes esculturas románicas son múltiples: la mitología griega y romana, el Physiologus (tratado de Historia natural moralizzata compuesto en Alejandría de Egipto a finales del siglo II), los bestiarios de origen occidental y Oriental, el desarrollo del arte animal de las tribus germánicas bárbaras (por ejemplo, de los lombardos), que a su vez incorpora los terrenos del arte de los pueblos de la estepa (los escitas). Son muy frecuentes las figuras monstruosas y fantásticas derivadas de la fusión de cabezas y extremidades humanas y animales: grillos y drôleries derivados de glípticos griegos y romanos, así como la reinterpretación libre de motivos del Arte Islámico, indio y chino (Por ejemplo, los Diablos con alas de murciélago se derivan de dragones chinos). A menudo aparece la imagen del pavo real, incluso en los sarcófagos. Es un símbolo de inmortalidad, ya que su carne era considerada inmarcable. Según la creencia de que el pavo real pierde cada año en otoño las plumas que renacen en primavera, el animal se convirtió en un símbolo de renacimiento espiritual y, por lo tanto, de Resurrección; además, sus mil ojos fueron considerados un emblema de la omnisciencia de Dios y su carne fue considerada incorruptible. El gallo que canta al amanecer, al amanecer, es considerado un símbolo de la luz de Cristo. También son comunes Los Leones estilóforos. La escultura románica presenta una sensibilidad atormentada que representa sobre todo los temas más dramáticos de la religión cristiana : castigos infernales, vicios, Apocalipsis, Juicio Final. En la narrativa figurativa presente en portales, paredes, Ambones, capiteles, personajes y episodios del Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento se prefieren "en un paralelismo que es la piedra angular doctrinal de la reforma iniciada por Cluny" . Alemania permaneció atada a la autoridad imperial, que todavía era una presencia política efectiva, a diferencia de otras regiones europeas, e incluso el arte, incluida la escultura, siguió sin incidentes el camino ya trazado por el arte carolingio y otoniano. No había escultura monumental aplicada a los edificios, pero la gran tradición de los talleres de orfebrería y escultura de metal siguió siendo vital, de donde surgieron preciosos relicarios, dossales, altares portátiles y otros objetos litúrgicos del más alto nivel. Los principales centros de esta actividad se concentraron en la región de Mosa, pero también en Aquisgrán, Colonia, Hildesheim y los Países Bajos vecinos. En las obras de mayor valor, los temas bizantinos y otonianos fueron reinterpretados de acuerdo con un sentido plástico mayor, como en la fuente bautismal de bronce fundido de la Iglesia de San Bartolomé en Lieja, fundida por Renier de Huy entre 1107 y 1118. Borgoña, en Francia, fue uno de los primeros ejemplos del renacimiento de la escultura monumental. En Dijon, los capiteles de la desaparecida iglesia de Saint-Benigne (siglo XI) todavía muestran una cierta torpeza en la representación de la figura humana, debido a la falta de modelos (a diferencia de las figuras zoomorfas, y verduras que fueron copiados de tejidos ia). Antes de la escuela vinculada a la Abadía de Cluny, se puede localizar una anterior en los capitales de la torre - porche de la Abadía de Saint - Benoit - sur - Loire, cerca de Orléans, que data es bastante controvertido, pero tal vez una década más antigua que las del ambulatorio de Cluny III '' (que data de 1095 aproximadamente). Aquí, en la planta baja, los capiteles están decorados con hojas de acanto y dispuestos por un rico túnel, mientras que en el primer piso ya están narrados, con escenas apocalípticas y figuras de Santos con la mejor volumetría bosquejada. Los lugares de escultura monumental en Borgoña son esencialmente tres: Cluny, Autun y Vézelay. En "Cluny III" las capitales más antiguas estaban en la girola y se remontan a antes de 1095 (hoy hay ocho). La entrada estaba flanqueada por dos semicolones, que presentaban dos capiteles con historia, uno con el pecado de los antepasados y el otro con el sacrificio de Isaac. En los otros capiteles fue representado como una especie de compendio de conocimientos de la edad media, con varios interesados: un capitel corintio que demuestra una notable comprensión del arte antiguo, uno con atletas, uno con un guardián, una serie con las virtudes teológicas y cardinales, uno con un cuadro de la primavera, Un Verano, uno con los ríos del Paraíso (alegoría de los cuatro Evangelios) y la serie con los ocho tonos de canto gregoriano. La gran variedad de temas también se equilibró con la notable variedad de patrones dentro de los cuales se tallaron las representaciones: desde almendras con figuras enteras de personajes, hasta otros donde la historiografía no tiene solución de continuidad. En Autun en la Catedral de Saint-Lazare trabajó un maestro Gisleberto que firmó el tímpano del portal con el Juicio final (circa 1130), con figuras alargadas y caracterizadas por un movimiento frenético. Gislebertus también talló el portal norte del cual hoy solo quedan unos pocos fragmentos, Entre los cuales una víspera de naturalismo sorprendente. Este maestro es probablemente responsable de la dirección de todo un taller de artistas dedicados a la decoración de los capiteles de la nave y el presbiterio. Aquí también hay una libertad considerable para tratar con el espacio disponible en la capital, incluso más original que los de Cluny. En la de la huida a Egipto, por ejemplo (1120 - 1140) la escena ocupa ahora toda la capital, con apenas un motivo de medalla en la base. En la del sueño de los Reyes Magos se llega entonces a una representación sintética de los Tres Reyes acostados, en una cama colocada horizontalmente y vista desde arriba, con un ángel de pie indicando la estrella cometa, que se representa de pie y con una perspectiva diferente. Incluso en Vézelay, en la Iglesia de Sainte - Madeleine, fue la figura de un Cristo en majestad (1120 - 1140) similar a, El Juicio final de Autun, donde Cristo de los brazos abiertos se representa en el acto esta vez para enviar a los apóstoles a los rincones del mundo, representado por los pueblos imaginativos (como las paperas o las figuras de la boca del animal. .), pero aquí los detalles se modelan con un refinamiento aún mayor y más plasticidad (ver solo las piernas del Cristo, dobladas en un intento refinado de vislumbrar) y la composición sigue el espacio dado por la arquitectura (en Autun, en cambio, se dividió en sub - cajas). En ambos, el Cristo está representado en el centro en una posición frontal Áúlica, con las manos abiertas, mientras que alrededor de las figuras están animadas por un ritmo vivo. Los capiteles de las Naves y del nártex, con parábolas Evangélicas y episodios de la vida de los santos, tienen una plasticidad distinta, gracias al claro sentido del volumen, y una narración muy viva y elocuente, en algunos casos frenética, como en las numerosas escenas en las que aparecen demonios. Languedoc desarrolló el estilo románico temprano, tanto para el crecimiento económico como demográfico, tanto para la desintegración del poder central, como para la afluencia de peregrinos que la convirtieron en una región ocupada. En Toulouse la gran Basílica de Saint-Sernin fue construida en formas grandiosas comenzando poco antes de 1080. Después de la actividad de un primer grupo de canteros, con motivo de la consagración del Altar mayor (1096) se renovó el taller, que talló por ejemplo la mesa de mármol de los Pirineos, donde aparece el nombre del maestro Bernardo Gilduino. La decoración consistía en bajorrelieves en los lados con varias escenas: Cristo entre la Virgen y San Juan Evangelista, los Apóstoles, de la Ascensión de Alejandro Magno (un episodio legendario), y un friso de aves, dentro de un elementos vegetales. El mismo taller de Gelduinus también esculpió los siete bajorrelieves de mármol de la girola (finales del siglo XI, principios del siglo XII) con Cristo en majestad, con cuatro ángeles y dos apóstoles, que se caracterizan por una monumentalidad ya románica, pero una tendencia a la estilización que recuerda al marfil tallado más antiguo, con resultados muy diferentes de la escultura borgoñona. Sin embargo, el bajo relieve de las esculturas, la serenidad estática y el fuerte linealismo se ven reforzados por una clara definición de los volúmenes de las figuras. Otros relieves en el estilo de Gelduino están en los capiteles de la tribuna del crucero, y en las esculturas que decoran la llamada Porte de Miègeville (1100-1118), donde en la luneta representa la Ascensión de Cristo, con representaciones de los apóstoles en el arquitrabe, en los estantes que lo sostienen y en los dos paneles al lado del portal, con los Santos Pedro y Santiago, el tamaño natural, y la caída de Simón mago y las alegorías de los vicios. Los resultados de estas encuestas son muy similares a los de las esculturas del santuario de Santiago de Compostela, con un fondo elevado y un aplanamiento de los planos de modelado, aunque articulados brillantemente; la diferencia más evidente está en el sentido de movimiento que transmiten las figuras. En particular, en los capiteles de este portal, la presencia de figuras en Alto relieve denota la capacidad de dar también protagonismo plástico a las figuras. Al mismo tiempo, en la región de Midi - Pyrénées (Aquitania) se construyó una abadía igualmente importante, la de Moissac, donde el equipamiento escultórico también era de primer orden. Alrededor de 1110 se construyó el Gran Claustro llamado Abad Duardo, con setenta y seis capiteles tallados, organizados según la alternancia de columnas simples y gemelas, y con doce paneles en bajorrelieve con Apóstoles de tamaño natural, colocados en pilares esquineros (dos por Pilar) y centrales (en el lado interior). Aquí también los relieves son bajos y las figuras están perfiladas con una fuerte estilización y un linealismo acentuado. Se presta mucha atención a los detalles, a menudo realizados en una clave más naturalista que las figuras enteras. Más originales son los capiteles históricos, modelados con la máxima libertad, aparte de una clara distinción entre el bloque fiscal superior (el paralelepípedo sobre el que descansan los arcos) y la parte inferior. Las figuras de los capiteles están dispuestas en los cuatro lados y siempre enmarcadas en la parte superior por las volutas plegadas. Importante para los artistas de esta obra fue dar un sentido de simetría y equilibrio a las composiciones, con una narrativa que rara vez muestra efectos de profundidad. Se remonta a alrededor de 1120 el segundo gran Complejo Escultórico de Moissac, el portal sur de la Abadía, dominado por una gran luneta (longitud máxima 5, 68 m.) con la visión apocalíptica de San Juan (Cristo en majestad entre los símbolos de los evangelistas, Ángeles y atalayas del Apocalipsis). En las jambas son en cambio las figuras de San Pedro e Isaías y en el espesor del pilar central las figuras de San Pablo y otro profeta, tal vez Jeremías, mientras que en frente están tallados varios animales monstruosos que se enfrentan. La decoración se completa con relieves en las paredes laterales con las historias de la infancia de Cristo, la parábola del rico Epulón y el castigo de la avaricia y la lujuria. Sobre todo, el tímpano se caracteriza por una gran eficacia expresiva, con el Cristo dominando, en una posición frontal e inmóvil, la representación violenta que se despliega a su alrededor. Aunque la disposición general respeta los cánones de simetría, los elementos individuales se representan en posiciones asimétricas, que crean un campo cruzado por líneas oblicuas que anulan la autonomía de las partes individuales. Los detalles son tratados con una gran maestría que produce efectos de notable naturalismo (en prendas, adornos, objetos). Muy original es el alargamiento de las figuras en las jambas, sinuosamente movidas por elegantes cadencias rítmicas que acentúan la expresividad. En las décadas siguientes, El legado de Moissac se puso en buen uso en otros sitios, como el claustro de Notre - Dame - de - la - Daurade en Toulouse, donde las capitales históricas retoman los estilos del claustro de Moissac. Más tarde, como en los claustros de Sanit-Sernin o la catedral, tendió a dar mayor desarrollo a la narración de las escenas y a las figuras individuales, buscando una mayor delicadeza en lo modelado. Otro complejo importante fue el Monasterio de Souillac, cerca de Moissac, del que provienen los fragmentos de un portal tallado alrededor de 1130 para la iglesia abacial de Sainte - Marie. El profeta Isaías parece, si no de la misma mano, inspirado por imitar al profeta Jeremías de Moissac, pero aquí la representación es aún más original, con el movimiento frenético de las piernas del Profeta y la tendencia arremolinada de los pliegues de las cortinas, que realzan el dinamismo de este tipo de danza sagrada. El norte de España estaba estrechamente vinculado al sur de Francia por razones políticas, económicas y para la conexión de caminos de peregrinación a Santiago de Compostela. La arquitectura y la escultura que se desarrollaron aquí tienen notables similitudes con las obras de construcción contemporáneas de Toulouse y Moissac. En León, en el Panteón de los Reyes, se conservan algunas capitales históricas, que, aunque la datación es controvertida, según algunos historiadores se remontan a finales del siglo XI, entonces similares a las de Saint - Sernin en Toulouse, y presentan un fuerte sentido de volumen y un diseño equilibrado sin incertidumbres. El edificio más importante, sin embargo, sigue siendo el santuario de Santiago de Compostela, reconstruido a partir de 1075 en las grandiosas formas de las grandes basílicas de peregrinación francesas. Se conservan varios fragmentos de esa época, pero solo la llamada Puerta de las Palterías (puerta de los orfebres, terminada en 1097) ha conservado la mayor parte de las esculturas del siglo XII, a pesar de una amplia remodelación en el siglo siguiente. Es una puerta doble, que se requiere para gestionar el flujo de peregrinos en la entrada y salida de la catedral, con toda la parte superior está decorada con esculturas (incluido el bisel, a diferencia de los ejemplos italianos contemporáneos, como el duomo di Módena), con muchas de las figuras relacionadas con el tema del choque de Jesús contra los demonios, que también son representaciones alegóricas de los defectos. El linealismo, el relieve ligeramente marcado, pero también la forma sinuosa y la precisión de los detalles son elementos que recuerdan las esculturas contemporáneas de Moissac y Toulouse, aunque se puede notar una mayor plasticidad. Una serie diferente de maestros esculpieron los relieves y capiteles para el claustro del Monasterio de Santo Domingo de Silos, cerca de Burgos, donde hay influencias de un rango más amplio, entre las que se encuentran las de las miniaturas mozárabes : hay elementos vegetales ricamente entrelazados, con animales fantásticos. Un rasgo característico es la extrema delicadeza con la que se tratan los diversos tonos del relieve. Las placas en las esquinas de la galería, el norte y el este representan la deposición, la Ascensión, el Pentecostés y la incredulidad de Santo Tomás; se caracterizan por un buen plástico moldeado y un fuerte sentido del ritmo, pero carece de la profundidad del espacio, con las figuras alineadas en la mayoría de las superficies verticales y del mismo tamaño, como si fluttuassero aplastado en un solo piso. También en la Catedral de san Pedro, en Jaca (Aragón), hay timbales monumentales tallados.

Entre los primeros maestros del románico lombardo hay una serie de maestros anónimos que inicialmente trabajaron en el área de Como, por esto se llaman maestros comacini. Estos escultores se movían mucho y su trabajo está documentado en todos los Prealpes, el valle del Po, en el cantón del Tesino, y algunos de ellos fueron a trabajar en Alemania, Dinamarca y Suecia y Cerdeña (como en la Iglesia de San Pietro di Zuri en Ghilarza). Entre las mejores obras de esta escuela se encuentran la decoración exterior de la Basílica de Sant''Abbondio en Como, o el coro de la Iglesia de San Fedele, siempre en Como, con figuras zoomorfas, monstruos, grifos, etc., En estas representaciones, las figuras humanas son raras y se caracterizan por una apariencia en cuclillas, y poco realista. Mucho más notable es su maestría en la representación de figuras animales y tejidos vegetales complejos, tal vez debido al hecho de que pueden contar con los modelos de telas y otros objetos Orientales. El relieve es plano y estilizado, y amplio es el uso del taladro para crear un claro desprendimiento con el fondo, de profundidad fija, para dar efectos de claroscuro. Un astillero importante del siglo XII fue el de la Basílica de San Michele Maggiore en Pavía, donde fueron talladas cuatro largas bandas horizontales, interrumpidas solo por los elementos arquitectónicos de la fachada, que hoy están irremediablemente comprometidos por la degradación de la piedra arenisca en la que están tallados. Incluye temas naturalistas, alegóricos, escenas de caza, guerra y vida cotidiana, figuras de Santos. Se puede dar una evaluación general de los frisos, pero es suficiente entender que es una de las mayores obras maestras del románico lombardo, con derivaciones y tal vez influencias orientales armenias. También es notable el equipamiento artístico de la Basílica de San Ambrosio en Milán, que combina elementos prerrománicos (como motivos entrelazados) con temas más originales como representaciones de animales o elementos vegetales con un acentuado sentido del volumen. A menudo en la esquina del capitel se representa una sola cabeza de la que salen dos cuerpos en los lados respectivos. Wiligelmo es el maestro de las esculturas de la fachada de la Catedral de Módena, cuyo nombre se transmite de una losa colocada en la propia catedral, donde los ciudadanos agradecidos tenían una frase tallada en alabanza del maestro. Modena está esculpido varios relieves entre finales del siglo XI y principios del siglo XII, entre los cuales los más famosos son los cuatro grandes paneles con la historia del Génesis (la creación, el pecado de nuestros primeros padres, el asesinato de Abel, el castigo de Caín, y el Arca de Noé), que marcó el renacimiento de la escultura monumental en Italia. El complejo figurativo representa una alegoría de la salvación humana y la reconciliación con Dios. Para realizar el estilo inmediatamente anterior a Wiligelmo se pueden ver los capitales de los maestros lombardos anónimos en la cripta de la catedral: sin comparación es el realismo, la representación de los volúmenes y el diseño narrativo feliz de Wiligelmo. La inmediatez de la narración es un componente fundamental, admirado desde la época, especialmente teniendo en cuenta que el público objetivo era todo el pueblo de los fieles, sin distinciones de nivel cultural. Las esculturas, especialmente las de las tablas Génesis, están cuidadas hasta el más mínimo detalle, con algunos elementos tan alejados de un estereotipo que parecen estudiados por lo real, como los diferentes pliegues que toma el manto de Dios, suave y fluido, o los diversos estados de ánimo de las expresiones faciales. También en Módena trabajaron muchos maestros lapicidas, como el maestro de las historias de San Geminiano (activo alrededor de 1130, dotado de gran inventiva, pero menos expresivo que Wiligelmo), el maestro de Arturo (más decorativo y menos dramático) y el maestro de metopas. Este último es artista anónimo activo en el primer cuarto del siglo XII, creó una situación única con las representaciones imaginativas de las naciones más remotas regiones de la tierra que todavía esperan el mensaje cristiano; importante es la aparición en su estilo de elementos-detallado y refinado, derivado de la escultura, borgoñona, de la talla de Marfil y Oro. El escultor conocido con el nombre de Niccolò, alumno o conocedor de Wiligelmo, es el primer maestro del que se conoce un corpus de obras firmadas, hasta cinco, que permiten reconstruir sus movimientos por el norte de Italia. La primera obra firmada Nicolás es 1122, y se encuentra en el portal derecho de la fachada del duomo de Piacenza, donde están representados en las historias de Cristo en la pared, el estilo es efectivamente la narrativa, pero por un alivio más bien aplastado, que se equilibra con un mayor refinamiento en los detalles, y un tesoro casi "pictórico" . Este estilo tuvo un amplio seguimiento en Piacenza, como en los artistas anónimos de la formelle dei Paratici, en la nave central, representando a los gremios de Artes y oficios que habían financiado la construcción de la catedral. El segundo testimonio de Nicolás se encuentra en la sacra di San Michele, en Val di Susa, en Piamonte, donde probablemente trabajó entre 1120 y 1130. En 1135 Niccolò estaba en Ferrara para trabajar de nuevo en un porche, donde por primera vez se talló el frontón, ya que era ya un par de décadas en Francia, entonces, lo encontramos en el año 1138 en la construcción de la Basílica de San Zenón en Verona, todavía en el trabajo en un frontón policromado, y finalmente, en 1139, encontramos la última de sus obras en la Catedral de Verona: La Virgen en el trono con una '' Anunciación y la adoración de los magos, siempre en el Tráelos. La característica constante de los maestros campionesi (originalmente de Campione d''Italia) era trabajar como una corporación; de esta manera transmitieron conocimientos específicos sobre el tema; si este procedimiento, por un lado, bloqueó la inspiración individual, por otro lado suplantaron este obstáculo al tomar los estilos de los maestros principales, en el caso del gótico de la de sus formas en Lombardía, Giovanni Di Balduccio Aquí está la puerta del zodiaco, con las jambas decoradas con relieves de los signos del zodiaco, similares a los de los pueblos fantásticos en la puerta de los príncipes de Módena, encontramos influencias del linealismo de la Escuela escultórica de Toulouse. Este pasaje tiene lugar en el siglo XIV, y los maestros de Campionesi traducen estas innovaciones de los grandes nombres en las formas adecuadas a su método de trabajo repetitivo, con invenciones técnicas que se pueden transmitir dentro de su taller. Así, en la transición del románico al gótico, sabiendo dar forma y concreción a las novedades formales, su obra siempre mantiene legados de estilos anteriores. La última fase de la decoración de la Catedral de Módena fue llevada a cabo por ellos, entre los que se destacó la actividad de Anselmo Da Campione (activa alrededor de 1165). Tallaron el muelle en la catedral e hicieron el gran rosetón en la fachada. Benedetto Antelami trabajó en el complejo monumental de la Catedral de Parma desde al menos 1178, como una figura en la losa de la deposición de un muelle desmembrado. Su actividad se sitúa en la frontera entre el arte románico y el gótico, tanto en términos de datación como de estilo. Probablemente tuvo la oportunidad de visitar los patios provenzales, tal vez incluso los de Île-de-France. En la famosa deposición representó el momento en que el cuerpo de Cristo es bajado de la cruz, con varios elementos tomados de la iconografía de la rectoría de la crucifixión (los soldados romanos con el manto de Cristo, el sol y la luna, la personificación de Ecclesia y Sinagoga, etc.).,) y la Resurrección (las tres marías). Particularmente refinado es la ejecución y también el resultado en el modelado de los cuerpos humanos es menos en cuclillas que las figuras de Wiligelmo. En comparación con el maestro modenés, la dinámica de la escena es inferior, con las figuras todavía en poses expresivas. La impresión de espacialidad dada por los dos aviones superpuestos en los que se colocan los soldados que sortean es el primer ejemplo de este tipo en Italia. En el mismo período También esculpió la silla Episcopal, con poderosas figuras altamente plásticas y dotadas de una expresividad notable. En 1180 - 1190 fue el taller en Fidenza, donde decoró la fachada de la catedral, con diversos relieves, entre los que se destacan las estatuas en la ronda de los dos profetas dentro de los nichos junto al portal central: el renacimiento de la escultura en la ronda (aunque en este caso, la ubicación de la arquitectura no permite al espectador apreciar múltiples puntos de vista) no tiene precedentes desde la estatuaria de la tarde-antigua-o por debajo de hasta Donatello. Su obra maestra es el Baptisterio de Parma (de 1196), quizás influenciado por el de pisa, donde las esculturas crean un conjunto único tanto dentro como fuera, con un ciclo que se puede sintetizar en el tratamiento de la vida humana y su redención. La escuela escultórica Pisana nació en Pisa en los patios de la catedral y más tarde se extendió a las áreas vecinas y más allá gracias a las densas relaciones comerciales de la República Pisana. El maestro Guglielmo esculpió entre 1152 y 1162 el púlpito de la Catedral de Pisa, luego transportado a Cagliari y hoy conservado en la Catedral de Cagliari, donde se encuentran influencias lombardas y provenzales (en las cortinas, en la narración animada), con un fuerte relieve plástico de los personajes, que se destacan claramente del fondo arabesco. A Guillermo, se inspiró en los hermanos Gruamonte y Adeodato, que en Enrique grabaron en Pistoia, el dintel del portal principal de la Iglesia de Sant''Andrea (paseo, y la adoración de los magos, 1166), mientras que Gruamonte solo esculpió el dintel de la Iglesia de San Bartolomeo en Pantano (1167) y la Iglesia de San Giovanni Fuorcivitas. En Gruamonte se inspiró a su vez Biduino, autor de los episodios evangélicos para la parroquia de San Casciano a Settimo cerca de Pisa (1180). Alrededor de 1180 Bonanno Pisano fundió las puertas de bronce para la Catedral de Pisa, que fueron destruidas en un incendio que involucró la fachada en 1595, pero la puerta en la parte posterior del crucero derecho llamado San Ranieri, con historias de la vida de Cristo, se salvó. En su obra se pueden identificar influencias clásicas (las rosetas y cuerdas alrededor de los paneles), Renano (las figuras con cabezas particularmente sobresalientes, como en Hildesheim) y bizantino (en la iconografía). Otro autor importante fue Roberto, autor con al menos otros dos maestros anónimos de las historias de Moisés en la piscina bautismal de la Basílica de San Frediano en Lucca. En el trabajo de estos maestros fue injertado entonces en el siglo XIII la actividad de Nicola Pisano, tal vez de formación Meridional en particular Apulia, que llevó a la renovación completa de la escultura Toscana e italiana. En Campania, Abruzos y Puglia hubo durante el siglo XII una interesante producción de púlpitos y sillas Episcopales por trabajadores que recibieron diversas influencias. En Puglia hay algunos testimonios escultóricos importantes, como la silla Episcopal de la Catedral de Canosa, firmada por Romoaldo y esculpida entre 1078 y 1089, o la llamada silla del Obispo Elia, en la Basílica de San Nicola en Bari, que data de alrededor de 1105, luego después del Episcopado de Elia (alrededor de 1090). En el primero, con los elefantes sosteniendo la estructura arriba, dibujó un repertorio iconográfico Bizantino, mientras que en el segundo, con los telamones expresivamente doblados por el esfuerzo. En cuanto a la fundición de Bronce, hemos llegado al extraordinario ejemplo de las puertas de la Catedral de Trani, realizadas en 1119 por Barisano Da Trani, divididas en varias escenas por Marcos caprichosos y con puertas zoomorfas, inspiradas en precedentes bizantinos. El ambón de la Catedral de Bitonto tiene una losa triangular, situada en la barandilla de la escalera, que muestra a los emperadores Suabos tallados en bajorrelieve (de izquierda a derecha Federico Barbarroja, Enrique VI, Federico II y el hijo, Corrado); también lleva la inscripción ubicada debajo del lettorino (HOC OPUS fecit NICOLAUS/SACERDOT ET MAGISTER year VINTAGE/DUCENTESIMO VICESIMO/NONO INDICTIONIS SECUNDE) que da la escultura al sacerdote Nicola, que también participó en la construcción del campanario de la Catedral de Trani, y también nos muestra la fecha: 1229 El púlpito de la Iglesia de Santa María del lago en Moscufo (PE), firmado por Nicodemo, data de 1159, y tiene una compleja masilla decorativa de plástico: la caja, sostenida por columnas y arcos, algunos de los cuales son trébol al camino árabe), tiene relieves, entre los cuales algunas de las figuras modeladas casi en redondo, como los símbolos de los evangelistas, animales fantásticos, y un poco desnuda en una esquina, que, aunque mutilada, y un poco torpe, podría ser una cita de la Espinaria helenística La misma tipología fue tomada en las puertas del Duomo de Ravello y en las del lado norte del duomo de Monreale. Los púlpitos monumentales de la Catedral de Salerno y la de Ravello, el ambone de Ravello (siglo XII) son todas obras influenciadas tanto por mosaicos cosmatescos en boga en Roma, como por modelos bizantinos y árabes en las complicadas geometrías Decorativas.

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