Apoteosis de Santa Úrsula y sus compañeras

La apoteosis de Sant'Orsola y sus compañeros es un lienzo (témpera sobre lienzo, 481x336 cm) de Vittore Carpaccio, firmado y fechado en 1491 y conservado en las galerías de la Academia de Venecia. Este es el segundo episodio pintado para las historias de Sant'Orsola, ya en la Escuela de Sant'Orsola en Venecia.

La escena de la apoteosis, que cierra el ciclo de historias, fue de las primeras en ser pintadas por el artista, que no pudo seguir el orden lógico de la representación, ya que no todas las paredes del edificio estaban ya despejadas de altares y monumentos funerarios de antiguos hermanos. El retablo, en particular, estaba destinado al altar de la capilla. En el ciclo de teleri hay referencias frecuentes a Venecia de la época y sus campañas militares contra los otomanos. En la leyenda de Santa Úrsula se destacó en particular la santidad de la mujer que fue martirizada por no ceder a la violencia: las crónicas de la época se desprende de hecho que uno de los temas que más afectó a la opinión pública en los enfrentamientos, los militares fue una de las mujeres, madres de familia, jóvenes vírgenes, o monjas, arrancadas de la seguridad de sus hogares, y lo convirtió en el tema de la violencia por parte de los invasores. Algunos críticos habían especulado que el lienzo había sido ampliamente retocado en 1510, como motivos más modernos, pero esta hipótesis fue definitivamente refutada por los rayos X, que también descubrieron la adición en un momento posterior de los tres retratos masculinos de la izquierda.

La cristiana Úrsula, hija del Rey de Bretaña, accedió a casarse con HereO, Príncipe pagano de Inglaterra, siempre que el futuro novio se convirtiera y fuera con ella en peregrinación a Roma. Regresó a Colonia y la encontró asediada por los hunos. Después de ser recibida inicialmente por Atila, su negativa a entregarse al gobernante bárbaro provocó la furia de los ocupantes, que martirizaron a Orsola y sus once mil compañeros. La escena muestra en el centro a Ursola en apoteosis sobre una palmera (símbolo del martirio), en una nube de luz entre ángeles con cintas que le ponen una corona mientras en la parte superior Dios el padre extiende sus brazos para darle la bienvenida al cielo. A continuación están las multitudes de mártires, especialmente compañeros de Ursola, pero también figuras masculinas, como el legendario Papa Ciriaco col triregno, que se sacrificaría con ella. Los tres hombres de la izquierda serían probablemente los tres hijos de Antonio Loredan, defensor de Scutari contra los turcos: la hazaña de Antonio también es recordada por la fortaleza en el fondo. Todo está rodeado por una elegante arquitectura renacentista con un arco de piedra que toma la forma del lienzo, y un fondo típico veneciano, de colinas con castillos, montañas y un lago. La fuerte simetría de la composición también está subrayada por las dos banderas cristianas que enmarcan al santo en una especie de cuadrilátero, que tiene como base el haz de Palmas (donde también se encuentra el cartucho, debajo del anillo de cabezas de serafines que mantiene unidas las hojas, con la firma y la fecha) y la almendra horizontal del Eterno.

La escena todavía sufre de algunos gráficos, una cierta dureza pictórica del gusto todavía vinculada al ejemplo de Mantegna, con una construcción para simetrías tal vez demasiado ostentosa. Algunos esquemas, como en la figura central y en la densa malla de las cabezas de las vírgenes hacinadas, muestran que la obra pertenece a una fase aún no completamente madura del artista, confirmando la proximidad al lienzo de la llegada de los peregrinos a Colonia, fechada en 1490. Sin embargo, ya es notable el dominio de la luz y el color, que permiten la unificación de figuras y paisajes de la mejor tradición veneciana y que investigan con precisión lenticular algunos detalles virtuosos, como las ricas cortinas sedosas de las mujeres arrodilladas en primer plano.

Historias de Sant'orsola

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